123 Blind Man's Zoo - 10,000 Maniacs

Purchased  :  20  May  1989

Tracks : Eat  For  Two / Please  Forgive  Us / The  Big  Parade / Trouble  Me / You  Happy  Puppet / Headstrong / Poison  In  The  Well / Dust  Bowl / The  Lion's  Share / Hateful  Hate / Jubilee

It  was  an  absolute  no  brainer  that  I  would  purchase  this  from  one  of  the  Manchester  stores  as  soon  as  it  came  out. Shortly  afterwards  I  saw  them  at  Manchester  Free  Trade  Hall, one  of  my  first  drives  into  the  big  city,  made  unnecessarily  fraught  by  my  not  knowing  how  to  use  the  de-mister  properly. Parking  up  was  also  a  bit  of  a  problem  as  there  was  a  big  Barry  McGuigan  fight  in  the  city  on  the  same  night. The  policeman  I  asked  for  advice  recognised  me  from  Spotland.   The  gig  was  great  and  a  few  weeks  later  it  was  broadcast  on  ITV;  so  far  it  hasn't  surfaced  on  youtube.

"Eat  For  Two"  was  inspired  by  Natalie  Merchant's  own   anxieties  when 15  over  a  broken  condom  during  sex  with  a  22  year  old  "boyfriend" as  revealed  in  an  interview  in  The  Guardian. I  must  confess  to  being  pretty  shocked ; at  this  time  I  was  very  prone  to  thinking  along  that  madonna / whore  axis  and  I  had  Natalie  very  much in  the  former  category. Despite  opening  with  a  very  spiky  one-note  guitar riff  from  Robert  Buck  it  blossoms  out  into  a  typically  warm  folk-pop  song  with  a  mournful  melody. Natalie's  empathy  with  the  impending  teenage  mum  is  obvious  and  is  complemented  by  Drew's  piano  and  Jevetta  Steele's  backing  vocals. It  was  my  favourite  single  of  1989  though  not  a  hit  ( a  disconnect  that  would  become  all  too  common  in  the  coming  decade ) .

Whereas   "Eat  For  Two"  would  fit  easily  on  "In  My  Tribe"  , "Please  Forgive  Us"  is  the  first  evidence  of  this  LP's  shift  away  from  personal  topics  to  taking  more  obvious  political  stances. The  lyric  is  an  extended  apology,  presumably  to  Nicaragua  from  liberal-minded  America,  for  the  Contragate  scandal   which  is  fine  except  that  it's  clumsily  expressed -"the  billets  were  bought  by  us, it  was  dollars  that  paid  them"  and  barely  attached  to  Robert  Buck's  music. an  all-purpose  jangle  that  doesn't  go  anywhere. It's  simply  boring  and  a  bit  of  a  shock  that  they  could  produce  something  so  uninspiring.

"The  Big  Parade "  is  a  bit  better, a  fairly  literal  account  of  a  young  man  visiting  the  Vietnam  memorial  in  Washington  DC  where  his  father's  name  is  inscribed. It's  set  to  an  appropriately  funereal  dirge  with  rich  Hammond  chords  from  Drew  and  parade  ground  drumming  from  Jerome  Augustyniak  for  which  he  got  the  co-writing  credit. It's  still  a  case  of  "less  words , more  tune"  please.

"Trouble  Me"  was  the  lead  single   and  a  respectable  hit  in  the  States  though  not  here. Essentially  it  carries  the  same  message  as  Bridge  Over Troubled  Water  but  it's  set  to  such  a  pallid  light  funk-pop  backing and  insipid  tune   that  the  line  "let  me  send  you  off  to  sleep"  acquires  an  unintended  meaning. The  video  with  a  beaming  Natalie  spending  quality  time  with  her  granny  ( the  rest  of  the  band  are  conspicuously  absent )  highlights  the  problem  many  have  with  her  - that  self-conscious  "worthiness"  that  informs  much  of  her work.

"You  Happy  Puppet"  at  least  allows  for  some  ambiguity. It  could  be  addressed  to  the  politically  unaware  consumer  or  someone  who  doesn't  realise  they're  in  a  manipulative  relationship. Musically  it's  a  close  cousin  to  "What's  The  Matter  Here "  with  Natalie  fitting  her  words  round  a  circular  jangle  in  the  same  way   and  there's  a  nice  acoustic  guitar  solo  from  Buck.

Side  One  closes  with  "Headstrong"  where  Merchant  stridently  declares  that  she  won't  be  changed  by  anything  her  lover  says  or  does. The  sentiment  is  matched  by  her  vocal  tone  and  the  uncompromising  guitar  squall  and  pounding  rock  drums  reminiscent  of  Peter  Gabriel. Again  it's  hampered  by  the  lack  of  a  good  tune.

Thankfully  Side  Two  is  stronger  by  some  distance. "Poison  In  The  Well"  addresses  the  issue  of  water  pollution  and  the  complacency  of  the  water  companies  involved. While it's  still  over-wordy  it  has  a  good  driving  riff ,  brisk  drumming  and  a  decent  tune.

Then  they  pull  out  an  absolute  cracker. "Dust  Bowl "  is  a  contender  for  their  ( or  anybody's really )  best  song ever. Drew  and  Augustyniak  sit  it out  and  with  only  minimal  bass  it's  just  Merchant  singing  over  Buck's  delicate  guitar  riff. The  lyric  looking  at  poverty  from  a  mother's  point  of  view  cuts  deep  and  Merchant's  vocal  balancing  anger  and  tenderness  is  a  masterpiece  of  control.

"The  Lion's  Share " seems  to  be  about  an  African  dictator  fleecing  his  people; there  were  plenty  to  choose  from  in  1989. It  has  an  attractive  tune  and  arrangement  but  it's  very  close  to   being   a  mellowed-out  "Don't  Talk ".

The  last  two  tracks  are  more  ambitious.  The  clumsily-titled  "Hateful  Hate "  begins  with  a  portentous  little  overture  from  Drew  before  the  drums  kick  in  and  power  a  diatribe  about  the  West's  rape  of  Africa  packing  slavery, missionary  activity  colonialism  and  ivory  poaching  into  its  four  and  a  half  minutes. The  attack  is  relentless  and  bolstered  by  a  cast  of  string  players  in  the  latter  half  of  the  song  to  add  to  its  nightmarish  quality. It's  one  of  those  songs  that  you  don't  always  want  to  listen  to  but  have  to  admire  for  its  ferocity.

"Jubilee"  is  a  Merchant  solo  composition  and  as  with  "Verdi  Cries"  on  the  previous  LP  she  drops  the  rest  of  the  band  and  brings  in  some  guest  players  to  accompany  her  on  a  slow dark  tale  of  a  mentally  disturbed  church  janitor  who  burns  down  the  building  on  seeing  some  inter-racial  dancing.  She  has  the  sense  to  vary  the  arrangement  with  each  verse  , a  bit  of  harpsichord  here  , a  bit  of  cello  there, but  even  so  it's  a  tad  too  long  at  six  minutes. The  last  verse  with  its  screeching  strings  is  genuinely  frightening  and  a  stark  conclusion  to  the  LP.

It  was  always  a  tall  ask  for  this  to  match  "In  My  Tribe"  ( although  its  best  tracks  do )  and  I  don't  want  to  give  the  impression  that  it's  a  bad  record. It's  a  good  album  that  doesn't  reach  the  same  heights  as  its  predecessor  ( commercially  it  outperformed  IMT )   and  consequently  doesn't  get  played  as  much.

122 Eponymous - REM

Purchased  :  April  1989

Tracks :  Radio  Free  Europe / Gardening  At  Night / Talk  About  The  Passion / So.  Central  Rain / Rockville / Can't  Get  There  From  Here / Driver  8 / Romance / Fall  On  Me / The  One  I  Love / Finest  Worksong / It's  the  End Of  The  World

This  was  the  next  purchase  from  Britannia. You  may  have  noticed  above  that  there  was  a  bit  of  a  gap  since  the  last  one  and  there  is  a  story  behind  that. After  umming  and  aahing  throughout  1988,  in  January  1989  I  bought  my  first  car,  an ex-army  left  hand  drive  Vauxhall  Chevette  estate  for  £550. Coming  home  from   its   first  away  trip  to  Doncaster  in  early  February  I  crashed  it  in  Barnsley  where  I  mistook  a  green  light  signifying  the  end  of  a  pedestrianized  period  for  the  way  ahead  and  cut  straight  across  another  vehicle  as  our  road  actually  swung  sharply  left. In  mitigation  the  road  markings  were  a  little worn  at  that  point  as  well. As  I'd  only  bought  fire,  third  party  and  theft  insurance  I  had  to  pay  half  the  purchase  price  again  to  get  it  repaired  which  put  me  briefly  into  an  overdraft  situation  so  LP  buying  had  to  stop  for  a  short  while. As  a  nice  postscript  my  two  companions  Carl  and  Sean  who  didn't  know  each  other  before  that  day  bonded  over  the  trauma  and  were  friends  for  years  afterwards.

OK,  on  to  REM. This  is  the  first  chapter  in  a  story  that  only  ended  fairly  recently  and  so  another  landmark  purchase.  I think  I  first  heard  the  odd  track  on  David  Jensen  in  the  early  eighties  but  they  really  came  to  my  attention  in  1984  when  a  guy  in  my  Hall  of  Residence  called  Mike  Hughes  started  raving  about  them  particularly  after  their  gig  at  the  Refectory  that  spring. Mike  was  a  Stalinist  NME reader  who  liked  whatever  they  told  him  was  good  and  vice  versa  ( When  I  first  came  across  Marcello  Carlin  on  Popular   I  thought  it  might  be  Mike  writing  under  a  pseudonym ). After  he'd  trashed  Talk  Talk  I  wasn't  going  to  listen  to  any  of  his  recommendations  and  the  following  year  Andy  Kershaw  arrived  on  Whistle  Test  and  included  them  in  his  list  of  bands  you  should  hear. So  now  there  were  two  barriers  to  appreciating  REM. What  changed  were  the  two  1987  singles  "It's  The  End  Of  The  World  As  We  Know  It"  and  "The  One  I  Love "  which  I  heard  on  The  Chart  Show   and  loved  and  it  was  on  the  strength  of  those  that  this  was  purchased.

"Eponymous"  is  a  sort  of  "Greatest  Hits" ( if  they'd  had  any ) album  marking  the  end  of  their  association  with  IRS  after  five  albums  and  their  signing  for  Warners  in  a  big  bucks  deal. Ironically  they  were  just  beginning  to  break  through  to  a  bigger  audience  as  well; "The  One  I  Love " was  their  first  flirtation  with  the  British  charts. The  break  seems  to  have  been  amicable  enough; it's  clear  from  the  sleeve  that  the  band  were  willing  participants  in  this  exercise  although  Warners  can't  have  been  too  thrilled  that  it  was  released  just  a  month  before  the  band's  first  album  on  their  label.  The  tracks  are  roughly  in  chronological  order  so  you  can  follow  their  progress  from  student  peddlers  of  wilfully  obtuse  Americana   to  stadium  rockers  in  waiting.

I  have  a  decision  to  make  now  on  writing  about  early  REM. I  bought  Marcus  Gray's  It  Crawled  From  The  South   in  1992,  an  exhaustive  tome  which  manfully  attempts  to  get  to  the  heart  of  all  the  band's  music  up  to  that  point  even  where  the  band  themselves  claimed  that  the  "lyrics"  were  phonetic  nonsense. I'd  sooner  the  blog  was  "all  my  own  work"  but  then it  seems  pigheaded  to  ignore  such  a  useful  source  of  insight.  Let's  see  how  we  go.

The  album  starts  right  at  the  beginning  of  their  career  with  the  original  version  of  "Radio  Free  Europe"  as  released  on  the  independent  label  Hib-Tone  in  1981  making  it  the  US  equivalent  of  New  Rose.  Some  took  it  as  a  protest  about  the  tyrannical  conservatism  of  US  rock  radio  but  it's  actually  a  quizzical  song  about  the  radio  station  set  up  during  the  Cold  War  to  broadcast  propaganda  to  the  Eastern  Bloc. Michael  Stipe's  lyrics  are  usually  elliptical   and  this  one's  full  of  non-seqiteurs  although  you  could  argue  that  it  represents  the  babble  of  a  radio  station  that  was  always  getting  jammed. The  influence  of  English  New  Wave  is  apparent  in  the  music  with  Mike  Mills's  pulsing  bass  and  Bill  Berry's  crisp  drumming  making  it  sound  like  an  early  Cure  song  although  Stipe's  mumbled  diction  isn't  really  comparable  to  anyone  else.

"Gardening  at  Night"  was  the  lead  track  on  their  first  release  for  IRS  the  "Chronic  Town"  EP  in  1982.  The  first  few  bars  sound  like  New  Order's  Ceremony  but  abruptly  Peter  Buck's  guitar  switches  to  a  melodic  Byrdsian  riff   and  REM's  trademark  sound  is  born. It's  driven  along  by  Berry's  punchy  drumming  save  for  two  quiet  passages  when  he  marks  time  with  rimshots. Berry  has  said  it  was  inspired  by  another  member  using  the  phrase  as  a  euphemism  for  needing  a  leak  when  they  were  driving. There  are  a  number  of  different  interpretations  to  the  song  but  I  think  it's  a  general  metaphor  for  a  hopeless  undertaking  and  the  mournful  melody  supports  that.

"Talk  About  the  Passion"  is  from  their  debut  LP  "Murmur"  and  like  many  of  their  early  songs  it  has  only  one  repeating  verse  for  hypnotic  effect. It's  a  mid-paced  jangly  pop  song  with  a  fat  bassline  and  hummed  backing  vocals  from  Mills  and  in  the  latter half  of  the  song  some  cello  and  violin  to  fill  out  the  sound. The  words , relatively  clear  here , seem  to  be  expressing  doubt  about  the  liberal  conscience  shared  by  all  four  members- "Not  everyone  can  carry  the  weight  of  the  world".

The  next  two  tracks  are  from  second  LP  "Reckoning". "So. Central  Rain"  is  a  chiming  folk-pop song  beefed  up  by  Berry's  powerful  drumming. It's  a  break-up  song  with  Stipe  mumbling  through  the  verses  before  an  agonised  cry  of  "I'm  Sorry"  by  way  of  a  chorus. The  coda  with  Stipe  wailing  wordlessly  over  violent  keyboard  stabs  emphasises  the  turmoil  at  the  heart  of  the  song.

"( Don't  Go  Back  To ) Rockville"  is  untypical  of  their  early  work  in  its  lyrical  simplicity. It's  an  unambiguous  plea  from  Mike  Mills  ( though  Stipe  sings  it ) to  a  female  student  in  Athens   not  to  return  to  her  home  town. Although  a  little  mean-minded  in  parts  "You'll  wind  up  in  some  factory "  the  naked  honesty  is  palpable  and  it's  set  to  a  lilting  country  rock  backing  with  a  rousing  chorus.  It's  just  a  shame  it's  not  been  a  hit  for  anyone  as   it  would  be  so  easy  to  substitute  "Rochdale"  into  the  title  and  sing  it  at  any  ex-manager  or  unpopular  ex-player  we  came  across.

"Can't  Get  There  From  Here " was  a  single  release  from  their  third  and  most  demanding  album  "Fables  Of  The  Reconstruction".  The  lyrics  are  a  daunting  challenge  with  cryptic  references  to  band  friends  and  places  but  the  general  message  seems  to  be  Athens  is  a  good  place  to  sort  your  head  out. The  chorus  has  overlapping  lines  with  Stipe  singing  the  title  while  Mills  confidently  asserts   "I've  been  there  I  know  the  way". The  music  admits  some  new  influences  with  Buck  playing  some  clipped  funk  guitar  in  the  verses  and  the  horns  in  the  chorus  suggesting  Stax.

Side  Two  commences  with  "Driver  8",  also  from "Fables"  and  an  absolute  belter. Buck  lays  down  one  of  his  best  ever  riffs  to  lead  into  a  train  song   that  drips  with  Southern  Gothic  atmosphere. On  one  level  it's  just  an  impressionistic  poem  about  the  sights  to  be  seen  from  a  locomotive  cab (  shades  of  Jimmy  Webb  at  his  best ) but  the  music  infuses  it  with  palpable  dread. What  exactly  is  the  driver  taking  a  break  from  and  where's  the  destination ? One  of  their  very  best  songs.

I  can't  say  that  about  "Romance", originally  a  Murmur  outtake  but  re-recorded  in  1986  for  the  forgotten  film  Made  In  Heaven. The  pounding  drums  and  angular  bassline  on  the  verses  are  reminiscent  of  Drums  and  Wires  era  XTC  and   while  the  chorus  is  more  recognisably  REM  it's  not  one  of  their  strongest. This  is  also  one  of  their  songs  where  the  band's  claim  that  the  lyrics  have  no  meaning  rings  most  true.

"Fall  On  Me"  is  the  only  track  from  fourth  album  "Life's  Rich  Pageant". When  they  played  it  on  Unplugged  in  1991  Stipe  introduced  it  as  his  personal  favourite  and  he's  not  far  wrong.  It's  almost  a  duet  between  Stipe  and  Mills  with  the  latter  singing  a  counter-melody  during  the  second  verse  and  taking  over  the  bridge. It  started  out  as  a  song  about  acid  rain  and  then  became  about  aggressive  capitalism -"Buy  the  sky  and  sell  the  sky "  generally. The chorus  is  anthemic  with  Berry's  drums  punching  the  title  home.

The  album  concludes  with  the  three  singles  from  their  final  IRS  album  "Document"  which  saw  them  start  to post  serious  sales  figures. "The  One  I  Love "  made  their  first  mark  on  the  UK  singles  chart   reaching  number  51  at  the  tail  end  of  1987  ( and  16  on  re-release  in  1991 ). The band  have  mentioned  10cc  in  interviews  and  this  song  reverses  the  message  of  I'm Not  In  Love  ; where  Stewart's  feeble  denials  emphasised  how  deep  he  was  in  , Stipe's  coldly  drawled  "a  simple  prop  to  occupy  my  time"  destroys  the  idea  that  the  song  is  any  sort  of  dedication  as  if  Buck's   incendiary  churning  guitar   wasn't  evidence  enough.

"Finest  Worksong"  actually  got  one  place  higher  in  the  UK  although  it's  nowhere  near  as  familiar a  song. It's  heavily  indebted  to  the  Velvet  Underground  built  around  a  circular guitar  figure  that  mirrors  the  grind  of  the  average  working  day. Stipe  always  keeps  his  politics  close  to  his  chest  but  the  line  "Throw  Thoreau  and  rearrange "  suggests  he's  not  advocating  just  dropping  out  as  a  solution.

"It's  The  End  Of  The  World  As  We  Know  It  ( And  I  Feel  Fine ) " is  their  update    on  Subterranean  Homesick  Blues   with  a  parade  of   stream  of  consciousness   images  and  phrases  delivered  at  breakneck  speed  by  Stipe  with  the  aid  of  Mills  before  a  killer  of  a  chorus.  Different  interpretations  abound  but  I  tend  to  favour  it  being  a  pre-Coupland  critique  of  the  MTV  generation  and   its  political  apathy.  From  Berry's  introductory  drum  roll  to  the  false  ending  it's  the  most  exciting  song  in  their  repertoire  and  a  great  way  to  finish  off  a  superb  compilation.

121 Julia Fordham - Julia Fordham

Purchased  :  January  1989

Tracks : Happy  Ever  After / The  Comfort  Of  Strangers / Few  Too Many / Invisible  War / My  Lover's  Keeper / Cocooned / Where  Does   The  Time  Go / Woman  Of  The  80s / The  Other  Woman / Behind  Closed  Doors / Unconditional  Love 

Actually  I  must  have  told  a  lie  on  the  last  post  as  this  one  came  from  Britannia  as  well  so  it  must  have  been  a  buy  one  get  two  half  price offer.

Here  we  have  another  forgotten  female  singer-songwriter  from  the  late  eighties. This  is  an  entirely  self-written  album  though  there's  a  huge  cast  list  of  supporting  musicians, a  fair  few  of  whom  were  on  Infected  including  David  Palmer  though  he's  only  on  one  track. Julia  herself  served   time  as  a  backing  singer  for  Mari  Wilson  and  Kim  Wilde  before  cutting  a  solo  deal  with  Circa  Records. This  was  her  debut  LP  released  in  the  summer  of  1988.

This  was  largely  bought  on  the  strength  of  the  Top  40  hit  "Happy  Ever  After" which  kicks  off  proceedings. It's  an  interesting  song  that  slips  from  personal  to  political  dissatisfaction ( over  apartheid ) halfway  through  and   the  sound  gradually  fills  up  aided  by  Grant  Mitchell's  crisp  production. It's  a  percussion-driven  track  with  a  similar  tempo  to  Terence  Trent D'Arby's  Sign  Your  Name  and  Peter  Gabriel's  Biko  is  another  obvious  influence. I  don't  have  the  technical  vocabulary  to  describe  Julia's   deep  and  rich  voice ; it's  probably  closer  to  a  jazz  voice  than  pop. She  actually  drops  out  of  the  song  towards  the  end  allowing  Afrodisiak  to  chant  it  to  a  close.

The  single  that  preceded  it  was  "The  Comfort  Of  Strangers"   which  has  an  interesting  confessional  lyric  about  looking  for  casual  sex. Unfortunately  it's  set  to  the  blandest , formulaic,  late  80s  pop  arrangement  this  side  of  Climie  Fisher. Julia's  vocal  style  isn't  exactly  suited  to  the  subject  matter  either. With  no  real  hook  it  wasn't  a  hit. Bowie  sideman  Carlos  Alomar  adds  some  interest  with  his  intricate  guitar  work  but  it's  not  enough.

The  same  problem  is  even  more  evident  on  "Few  Too  Many"  which  sets  lyrics  like  "My  appetite  for  anger  is  really  ravenous"  to  a  soporific  supper  club  arrangement  , all  languid  fretless  bass  and  tasteful  percussion, worthy  of  Sade  at  her  most  boring.

"Invisible  War"  is much  much  better, a  piano  ballad  with  mature  lyrics  about  a  failing  relationship. It  has  a  strong  mournful  melody  and  Julia  sings  it  with  beautiful  control. 

"My  Lover's  Keeper"  is  a  very  busy  piece  of  pop  funk  with  Palmer's  firm  drumming  and  Luis  Jardim's  chattering  percussion  keeping  it  moving. While  I  was  writing  that  last sentence  I  was  struggling  to  think  who  it  reminded  me  of  and  I  realise  now  it's  Living  In  A  Box  particularly  the  chorus  with  its  blaring  brass.  Underneath  the  bluster  it's  not  a  very  strong  song  with  Julia's  lyrics  back  of  an  envelope  standard.

"Cocooned"  is  languid  and  jazzy  with  the  piano  wandering  about  while  Julia  emotes  fretfully  about  whether  her  relationship  is  cutting  her  off  from  the  world. It's  not  very  well  expressed  and  the  tune's  forgettable.

"Where  Does  The  Time  Go ?"  fell  one  place  short  of  the  Top  40  in  February  1989. The  title  is  self-explanatory ( and  repeated  often  enough  for  near-hit  status ) but  the  rhymes  are  a  bit  chocolate  box  - "reasons/ seasons", "worrying/hurrying" . The  music  is  glossy  but  vapid; the  main  interest  is  in  how  much  guest  vocalist  John O'Kane  sounds  like  Michael McDonald (a  lot ).

The  most  talked about  track  - at  least  at  the  time - follows  next.  When  it  comes  to  making  a  rod  for  your  own  back , titling  a  song  on  your  debut  LP  "Woman  Of  The  80s"  takes  some  beating  and  I  seem  to  recall  it  being  brought  up  in  a  number  of  her  subsequent  reviews.  As  a  feminist  anthem  it  falls  somewhere  between  I  Am  Woman  and  Sheena  Easton's  Modern  Girl ; Julia  asserts  that  she  won't  call  her  man  but  admits  that  she  misses  him.  Musically  it's  more  of  that  jittery  Living  In  A  Box  pop-funk ) , spunky  but  lacking  any  pop  hooks. Hence. as  the  follow-up  single  to  "Happy  Ever  After"  it  flopped.

"The  Other  Woman" is  a  downbeat  rumination  on  being  someone's  mistress  that  sounds  vaguely  like  Alison  Moyet's  All  Cried  Out  without  the  big  chorus. Ghosts  from  earlier  in  the  decade  , former  Belle  Starr  Clare  Hirst  on  sax  and  Julia's  former  employer  Mari  Wilson  on  backing  vocals  help  out  but  in  neither  case  is  their  contribution  very  noticeable.

"Behind  Closed  Doors "  is  another  piano  ballad  but  it  re-uses  the  melody  from  "Woman  Of  The  80s  and  ends  just  as  it  seems  to  be  building.

"Unconditional  Love"  re-locates  that  pop-funk  sound  to  close  out  the  LP.  The  song  takes  second  place  to  the  groove  and  mainly  consists  of  a  rather  bludgeoning  chant  of  the  title.

Well, two  good  tracks  out  of  eleven  isn't  enough  for  me  so  my  interest  in  Julia  ended here. She  hung  around  long  enough  to  chalk  up  a  Top  20  hit  with  the  forgettable  "(Love  Moves ) In  Mysterious  Ways"  in  1992  but  like  many  other  artists  of  this  period  she  was  buried  by  Britpop ( arguably  a  more  effective  scouring  agent  than  punk), and  hasn't  troubled  the  charts  since.

120 Infected -The The

 Purchased : January  1989

 Tracks  :  Infected / Out  Of  The  Blue / Heartland / Angels  of  Deception / Sweet  Bird  Of  Truth / Slow  Train  To  Dawn / Twilight  Of  A  Champion / The  Mercy  Beat  

This  one  also  came  from  Britannia  probably  in  a  2  for  1  offer  with  the  Nanci  Griffith  LP  which  must  have  struck  someone  there  as  an  unusual  combination.

I  had  been  interested  in  The The  since 1981  through  their  association  with  the  Some  Bizarre  label  but  didn't  actually  hear  anything  until  the  "Uncertain  Smile" single  in  late  82  which  was  played  to  death  on  David  Jensen  but  didn't  make  the  Top  40. On  the  strength  of  that  and  subsequent  singles   I  bought  the "Soul  Mining"  LP  on  cassette  in  1984  but  was  rather  disappointed  and  sold  it  to  a  guy  at  university  ( a  mod  with  catholic  tastes  called  Ricky  Back )  a  year  later  when  I  was  running  out  of  money ; hence  its  non-appearance on this  blog. However  I  liked  all  four  singles  released  from  this  one  and  though  the  other  tracks  didn't  have  instant  appeal   when  the  whole LP  was  broadcast  in  video  form  on  Channel  4  over  Christmas  1986 ( I  had  to  wrestle  the  TV  away  from  a  grumpy  Helen  to  see  it ) I  still  wanted  the  LP. This  was  another  instance  of  catching  up  on  those  LPs  released  during  my  dole  period.

The  The  has  always  been  a  pseudonym  for  Matt  Johnson  and whoever  he's  wanted  to  work  with  at  the  time. Although  "Soul  Mining"  was  largely  a  personal  album  this  one  is  highly  political  , indeed  probably  the  most  politicised  LP  on  a  major  label  (Some  Bizarre  licenced  it  to  Epic)  of  the  decade. Johnson  made  a  video  for  every  track  hence  the  Channel  4  special.

The  title  track  was  the  third  single  from  the  LP  in  autumn  1986  and  reached  number  48,  a  creditable  performance  given  a  daytime  radio  ban  for  the  inclusion  of  the  word  "scrotum".  It's  a  densely  layered  track  which  could  be  about  AIDS  but  seems  to  me  to  be  more  concerned  with  rampant  consumerism - "I  can't  give  you  up  till  I've  got  more  than  enough", "Endow  me  with  the  gifts  of  the  man  made  world". Johnson  growls  his  way  through  the  verses  , the  first  of  which  contains  the  self-referential  line  " my  aching  little  soul  has  started  burning  blue"  ( Johnson  released  the  album  Burning  Blue  Soul  under  his  own  name  in  1982) , with  almost  suffocating  self-loathing  then  Tessa  Niles  and  former  Orange  Juice  drummer  Zeke  Manyika  arrive  to  sugar  the  pill  for  the  chorus. The  whole  song  is  anchored  to  a  sledgehammer  beat  provided  by former  ABC  drummer  David  Palmer  , a  big  presence  throughout  the  album  and  a  doomy  Blancmange-like  bassline  from  Dan  Brown  ( not  I  think the  Da  Vinci  Code  guy ).  Guy  Barker's  trumpet  solo  does  owe  a  little  to  the  synth  break  from  Nutbush  City  Limits   but  it  works.

"Out  Of  The  Blue"  cranks  up  the  self-laceration  to  its  highest  notch  with  Johnson  detailing  a  particularly  squalid  encounter  with  a  prostitute. The  first  half  of  the  song  is  semi-spoken  with  Johnson  not  making  any  attempt  to  fit  his  words  into  what  structure  is  provided  by  the  isolated  Ry  Cooder  guitar  chords  and  unresolving  Depeche  Mode  synth  lines. Palmer  comes  in  half  way  through  to  give  the  song  some  backbone  as  Johnson  gets  into  the  act  with  a  cumbersome  mantra. Only  in  the  final  minute or  so  do  we  get  some  melody  with  Niles's  brief  verse  and  a  grandiose  but  simple  keyboard  phrase. The  video,  which  saw  Johnson  cavorting  with  a  wobbly-bottomed  whore  was  one  of  the  more  memorable  of  the  octet.

Then  comes  "Heartland" , the  first  bona  fide  hit, where  Johnson  takes  on  Paul  Weller's  mantle  ( without  any  faux-soul  affectations )   to  deliver  a  state-of-the-nation  address. To  the  accompaniment  of  doom-laden  strings  and  doleful  piano  courtesy  of  future  Marillion  singer  Steve  Hogarth , Johnson  exposes  the  underbelly  of  Thatcher's  Britain  and  its  subservience  to  the  USA. Janice  Long, not  someone  I  normally  had  much  time  for, bravely  gave  it  a  spin  on  daytime  R1  ( despite  the  clearly  enunciated  "piss-stinking"  in  the  first  verse ) during  the  programme  covering  that  summer's  royal  wedding  ( Andrew  and  Fergie )  and  drew  a  predictable  chorus  of  complaints. Despite  its  head-on  politics  it's  probably  the  most  accessible  song  on  the  LP  with  a  killer  chorus  where  Niles's  presence  is  again  crucial. 

"Angels  of  Deception " continues  the  theme  of  encroaching  American cultural  imperialism  but  it's  not  as  good  a  song. The  first  verse  is  an  extended  Wild  West  metaphor  set  to a  prowling  swamp  blues  that  approximates  Tom  Waits  before  Palmer  kicks  in  for a  rather  ungainly  chorus    where  The  Croquets  (who ?)  replace  Niles. The  rest  of  the  song  doesn't  really  hang  together  musically  culminating  in  a  boring  chant  of  the  title.

Side  Two  commences  with  the  leadoff  single  "Sweet  Bird  Of  Truth"  a  cheery  tale  of  a  merc  or  spook  going  down  in  a  plane  over  the  Middle  East  where  he's  done  his  nefarious  business. By  an  unhappy  coincidence  it  came  out  just  as  the  Americans  bombed  Libya. Palmer's  not  present  here  yielding  to  an  uncompromising  drum  machine  which  along  with  the  subject  matter  is  predicative  of  the  sound  Sisters  of  Mercy  Mark  II  would  unleash  the  following  year. Japanese  singer  Anna  Domino  helps  out  on  the  chorus   but  it  was  never  a  chart  contender. (Actually  it  was  a  minor  hit  on  re-release  the  following  year ).

"Slow  Train  To  Dawn"  brings  forward  Neneh  Cherry  half  way  between  Rip  Rig  and  Panic  and  solo  fame. The  video  had  a  game  Neneh  in  a  very  unflattering  pose  tied  to  a  railway  line  with  her  nipples  poking  through  a  tight  sweater. She  gets  a  generous  helping  of  the  song, a  duet  between  a  couple  who  no  longer  want  each  other  waiting  for  the  night  to  end.
This  bleak  vignette  is  set  to  a  stomping  Northern  soul  beat  with  blaring  horns  but  lacks  the  strong  chorus  that  might  have  got  it  into  the  Top  40.   

"Twilight  Of  A  Champion" gives  a  co-writing  credit  to  Swans  drummer  Roland  Mosiman   for  the  music  and  duly  points  towards  Nine  Inch  Nails  and  their  ilk  with  its  stuttering  electro-funk  and  Gothic  keyboards. On  top  of  that  you  have  ZTT  also-ran  Andrew  Poppy's  blasting  brass  arrangement  and  a  jazz  rhythm  for  the  first  verse. Underneath  all  that  the  song  itself, a  long  suicide  note  from  a  self-hating  business  tycoon  gets  a  little  lost  and  it's  an  exhausting  listen.

"The  Mercy  Beat"  is  another  challenging  listen  at  seven  minutes  long  with  frequent  changes  of  musical  setting  and  little  in  the  way  of   a  tune.  Art  of  Noise's   Anne  Dudley  and  Gary  Langan   help  out   here   and  Palmer  never  lets  up. Johnson  spins  a  Nick  Cave -ish  yarn  of  wrestling  with  the  devil  but  the  final  two  minutes  when  his  vocal  drops  out  and  an  extended  coda  of   punchy  brass, Cure-ish  circular  guitar  riff  and  jittery  keyboards  plays  out  the  album are  the  best.

"Infected"  did  the  trick  in  terms  of   lifting  Johnson's  profile  and  ensuring  his  next  single  went  straight  into  the  Top  20. For  me  I  think   if  you've  got  the   singles  you  don't  really  need  the  rest; it  would  be  his  next  LP  with  a  starry  new  collaborator  that  really  hit  the  spot.

  

119 Lone Star State Of Mind - Nanci Griffith

Purchased : January  1989

Tracks :  Lone  Star  State  Of  Mind / Cold Hearts Closed  Minds / From  A  Distance / Beacon Street / Nickel  Dreams / Sing  One  For  Sister / Ford  Econoline / Trouble In The  Fields / Love  In  A  Memory / Let  It  Shine  On  Me / There's  A  Light  Beyond  These  Woods  ( Mary  Margaret )

This  was  the  next  purchase  from  Britannia.

This  is  another  one  from  the  back  of  the  cupboard. It  was  bought  largely  on  the  strength  of  Annie  Nightingale  giving  "From  A  Distance"  repeat  spins  and  a  review  in  Q  ( which  I'd  now  started  buying,  though  irregularly  at  first )  which  suggested  she  was  more  folk  than  country  and  western. In  fact  that  was  more  a  reflection  of  her  past  work  ; on  this  her  fifth  album  she  was  moving  towards   conventional  country  music  in  search  of  higher  dollar  returns.  She's  aided  here  by  a  long  list  of  session  names  that  mean  absolutely  nothing  to  me  apart  from  Russ  Kunkel  who  was  the  main  drummer  on  Tapestry.

"Lone  Star  State  Of  Mind"  is  a  song  about  the  call  of  home  and  an  old  love  actually  written  by  three  guys. Listening  to  the  banjo  and  pedal  steel  hammering  away  it's  hard  for  a  non-afficianado  to  see  what  distinguishes  this  from   the  work  of   Tammy  Wynette  or  Reba  McEntire   but  Nanci   certainly  has  a  very  warm  and  melodious  voice

"Cold  Hearts  Closed  Minds"  is  the  first  of  Nanci's  own  songs  telling  her  guy  she's  leaving  Chicago  - and  him - because   big  city  competitiveness  is  not  the  life  she  wants  to  live. It's  a  blunt  message  but  the  point  is  pushed  aside  by  the  soporific  setting.

"From  A  Distance"  follows  , the  Julie  Gold  song  since  marred  by  two  dreadful  hit  versions  courtesy  of  Cliff  Richard  and  Bette  Midler. The  overtly  Christian  sentiments  are  still  there  in  this  version  of  course  but  Nanci  wins  through  on  conviction and  it's  nicely  paced  too  with  the  beat  picking  up  for  the  second  verse  when  bombs  and  diseases  are  mentioned  and  then  dropping  back  for  the  third. I'm  not  sure  it  needs  Mac McAnally's  backing  vocals  but  they  don't  wreck  it.

"Beacon Street"  is  another  of  Nanci's  own  songs. This  time  she's  the  one  who's  been  left, stranded  in  a  cold  town  and  kept  awake  by  noisy  trains. It's  more  folk  than  country, a  slow  acoustic  lament  with  some  nice  understated  mandolin  work  from  Mark O' Connor.

"Nickel  Dreams"  is  a  Dolly Parton-esque  tale  of  a  small  time  performer  ( or  possibly  a  prostitute )  who  isn't  going  to  realise  her  dreams.  The  warmth  of  Nanci's  vocal  compensates  for  the  rather  clichéd  lyrics.

"Sing  One  For  Sister "  is  full-on  country  as  Nanci  reminisces  about  family  sing  songs  to  the  accompaniment  of  fiddles, banjos, pedal  steel  the  lot. It's  not  my  thing  really.

"Ford  Econoline"  is  another  Nanci  song  but  this  time  a  third  person  tale  of  a  woman  who  drives  away  from  an  abusive  husband  to  make  it  big  as  a  singer.  It's a  banjo-driven  uptempo  country  strum  with  Nanci's  vocal  upfront  but  the  instrumental  break  when  the  steel  guitar  and  fiddle  break  loose  is  the  most  interesting  feature.

After  the  jollity  of  the  preceding  couple  of  tracks  "Trouble  In  the  Fields", a  co-write  with  Rick  West  acknowledges  the  hardship  faced  by  small  farmers  in  the  Reagan  era  and  connects  it  with  the  Great  Depression. The  defiant  chorus  about  staying  on  the  farm  may  seem  unrealistic  but  it's  hard  to  question  Nanci's  sincerity.

Nanci's  "Love  In  A  Memory"  is  another  third  person  tale  of  a  separated  blue  collar  couple  each  holding  some  precious  recollection  of  their  time  together. She's  a  singer (again) and  he  works  on  the  New  Jersey  Turnpike ( echoes  of  Simon  and  Garfunkel ). At  its  heart  it's  a  Carole  King  piano  ballad  and  rather  bland  and  uninspiring.

"Let  It  Shine  On  Me "  is  a  soporific   Christian  anthem  written by  one  Paul  Kennerley  which  relies  on  some  nice  guitar  work  to  keep  the  listener  awake.

The  album  concludes  with  Nanci's  "There's A Light Beyond  These  Woods  ( Mary  Margaret )" a  touching  and  beautifully  sung  account  of  childhood  friends  with  different  lives  that  would  have  benefitted  from  a  more  interesting  arrangement.

I  was  very  disappointed  with  this  when  I  bought  it  and   haven't  played  it  very  much . Now it  seems  a  little  more  appealing  but  still  doesn't  tempt  me  to  explore  Nanci's  work  any  further. This  album is  her  high  watermark  commercially ; though  she's  had  some  critical  plaudits  for  later  LPs  she's  never  quite  broken  through.

118 If You Want To Defeat Your Enemy Sing His Song -The Icicle Works

Purchased  :  13  January  1989

Tracks : / Hope  Springs  Eternal / Travelling  Chest / Sweet  Thursday / Up  Here  In  The  North  Of  England / Who  Do  You  Want  For  Your  Love / When  You  Were  Mine / Evangeline / Truck  Driver's  Lament / Understanding  Jane /Walking  With  A  Mountain 

This  was  purchased  from  Soundsearch  for  £4.50.

So  we  move  into  the  last  year  of  the  eighties. As  far  as  the  UK  singles  chart  goes, out  of  the  period  where  I  was  giving  it  my  full  attention  ( 1973  to  roughly  1995 ) 1989  was  the  absolute  nadir,  a  parade  of  useless  charity  records  and  mechanical  so-called  "pop"  from  the  SAW  stable  crowned  by  the  success  of  Jive  Bunny. The  singles  I  did  rate  usually  peaked  in  the  forties  and  fifties. It  brought  home  to  me  that  musically   there  was  now  a  generation  gap;  what  I  liked  and  what  "the  kids"  were  buying  would  rarely  be  the  same  again . In  terms  of  the  charts  this  was  exacerbated  by  a  continuing  decline  in  singles  sales  which  made  the  Woolworth's  demographic   proportionally  more  significant. It  seemed  very  bizarre  that  a  middle aged  sweaty   loudmouth  whose  working  career  began  on  f**king  steam  trains  had  more  of  a  finger  on  the  pulse  of  youth  than  me  but  so  it  was.

On  the  flip  side  this  did  leave  more  room  for  catching  up on older  records  such  as  this  one  which  was  nearly  two  years  old. This  was  the  Liverpool   trio's  third  album, produced  by  yet-to-be Lightning  Seed  Ian  Broudie  and  they  were  still  trying  vainly  to  chalk  up  another Top  40   hit  to  follow  1984's  "Love  Is  A  Wonderful Colour "; I'm  wondering  if  they  hold  the  record  for  the  most  attempts  to  follow  a  solitary  significant  hit.  They  were  further  hampered  by  acquiring  an  unwanted  champion  in  the  now  ( post-Relax ban )  seriously  uncool  DJ  Mike  Read. In  1986  a  kiss  and  tell  tabloid   story  revealed  that  he  liked to  make  love  to  their  ( glaringly  unsuitable  you'd  have  thought )  music  and  every  subsequent  review  of  their  records   for  the  next  year  or  so  contained  some  reference  to  Mike  Read  bonking.  Their  failed  follow-ups  varied  in quality  but  one  in  particular  "Understanding  Jane"  from  summer  1986  had  caught  my  ear  and  it  was  that  that  drove  this  purchase. It  might  also  have  been  a  factor  that  I  was  getting  a  little  too  fond  of  a  pub  mate's  girlfriend  who  was  called  Jane  at  this  point  in  time.

I  must  admit  I  haven't  listened  to  this  for  a  long  time  so  it  will  be  a  journey  of  re-discovery  to  some  extent.

The  album  kicks  off  with  the  wryly-titled  "Hope  Springs  Eternal".  It's  a  would-be  anthem calling  for  optimism  in  the  face  of  adversity  with  a  decent  lyric but  musically  it's  a  bit  ponderous  and  brings  you  right  up  against  the  central  problem  with  their  music. Ian  McNabb  as  ever  sounds  like  Julian  Cope  attempting  Scott  Walker  and  not  quite  making  it ; if  any  one  factor  put  a  glass  ceiling   in  the  way  of  the  band's  prospects  that  was  probably  it  but  I  guess  when  you  write  all  the  songs  you  call  the  shots  as  to  who  sings  them.

"Travelling  Chest"  is  a  Big  Country-ish  mock  heroic  song  about  returning  to  your  love  after  a  dangerous  enterprise  although  there's  a  seemingly  incongruous  reference  to  a  picket  line  in  the  second  verse. There's  military  drumming, banjos  and  massed  acoustic  guitars  to  fill  out  the  sound. There's  a  similarity  to  the  Associates' Party  Fears  Two  in  the  galloping  rhythm  and  more  than  a  hint  of  Winner  Takes  It  All  in  the  main  melody. Again  its  McNabb's  voice  that  lets  it  down ; my  wife  in  passing  thought  it  was  David  Essex  which  tells  you  a  lot.

"Sweet  Thursday"  pilfers  the  oscillating  guitar  sound  from  How  Soon  Is  Now  but  uses  it  to  good  effect  on  a  string-laden  epic  about  a  girl  in  danger  of  being  left  on  a  shelf. It  might  even  have  given  them  that  second  hit  if  chosen  as  a  single.

"Up  Here  In  The  North  Of  England" is  a  state-of-the-city  meditation  about  Liverpool  prompted  in  some  way  by  a  student's  query  ( shades  of  Common  People ) . It's  fun  picking  out  all  the  allusions  to  things  like  Boys  From The  Blackstuff  and  Michael  Heseltine  which  also  include  a  staggeringly  glib  reference  to  Heysel -"we're  folklore  in  Turin" ( never  mind , retribution's  just  round  the  corner,  boys ) . The  only  one  that  stumped  me  initially  was  the  name check  to  Pete  Townshend  apparently  because  he  was  fronting  the  government's  anti-heroin  campaign.  Once  you've  done  that  though  the  musical  attractions  are  limited  with  the  slow  grind  not  leading  up  to  any  real  chorus  though  the  coda  is  impressive. 

The  first  few  bars  of  "Who  Do  You  Want  For  Your  Love"  (  another  single  ) with  the  prodding  strings  sound  very  like  fellow  Scousers  Echo  and  the  Bunnymen   but  it  settles  into  a  sturdy  pop  song  demanding  a  girl  makes  up  her  mind. Broudie  helps  out  on  guitar  and big  piano  chords  underpin  the  chorus  and  again  there's  no  obvious  reason  for  its  failure  other  than  McNabb's  unwavering  boom. 

"When  You  Were  Mine "  utilises  a  lot  of  strings  to  bolster  a  rather  indifferent  song  about  moving  on  from  a  past  relationship  and  ends  up  sounding  like  a  Bunnymen  B-side  ( circa  Ocean  Rain ) .

"Evangeline"  is  a  ( not  very  scary )  urban  legend  tale  about  picking  up  a  girl  hitchhiker  in  the  American  South. It  was  one  of  three  singles  from  the  LP  which  peaked,  with  remarkable  consistency,  at  numbers  52, 53  and  54. It  sounds  like  U2's  tubthumper  I  Will  Follow ( even  including  glockenspiel  flourishes )  slowed  down  a  bit.  It  also  features  unobtrusive  backing  vocals  from  nineties  dance  diva  Alison  Limerick.

"Truck  Driver's  Lament"  is  a  dodgy  song  about  a  self-pitying  old  guy  coming  onto  a  young girl  he's  just  picked  up. The  verses  are  a  grind  with  Chris  Layhe's  bass  splodging  away  before  a  passable  chorus  and  a  pretty  good  guitar  solo. Hank  Williams  pops  up  again  in  the  lyric.

It  almost  segues  into  the  one  I  was  waiting  for. " Understanding  Jane"  is  a  terrific  pop  song about  unrequited  love  framed  by  what  sounds  like  a  great  long  lost  Sex  Pistols  backing  track  ( perhaps  they  were  influenced  by  all  the  "ten  years  on"  retrospection  going  on  that  summer ). McNabb  actually  copes  quite  well  with  the  pace  and  it  is  their  best  song. A  re-mixed  version  was  released  to  promote  a  post-split  retrospective in  '92  but  didn't  chart.

That  leaves  "Walking  With  A  Mountain"  which  largely  drops  the  guitars  in  favour  of  synths  and  electronic  percussion  for  an  unfocussed  ballad  that  sounds  a  bit  like  mid-80s  Human  League  without  the  girls. It's  not  wholly  successful  but  was  worth  a  go.

This  is  actually  a  slightly  better  LP  than  I  remembered  although  I'm  still  disinclined  to   buy  any  of  their  other  LPs. The  original  trio  made  just  one  more  LP  before  Layhe  and  Sharrock  quit, ( the  latter  becoming  a  much-in  demand  drummer  for  hire  who  is  currently  in  Beady  Eye  after  being  the  last  in  the  long  line  of  Oasis  sticksmen )  and  Beggar's  Banquet  took  the  opportunity  to  drop  them. McNabb  released  one  more  album  under  the  group  name  then  became   a  modest-selling  solo  artist   finally  squeezing  into  the  Top  40 again  ( just )  with  his  last  single  in  2005.







 
 

117 In My Tribe - 10,000 Maniacs

Purchased  :  28  December  1988

Tracks : What's  The  Matter  Here ? / Hey  Jack  Kerouac / Like  The  Weather / Cherry  Tree / The  Painted  Desert / Don't  Talk / Peace  Train / Gun  Shy / My  Sister  Rose / A  Campfire  Song / City  Of  Angels / Verdi  Cries

This  was  bought  from  W H  Smith's  in  Rochdale  though  I'm  not  quite  sure  what  I  was  doing  there  as  it  wasn't  a  match  day.

It  feels  like  we've  come  to  a  watershed  here. After  discussing  my  sister's  final  gifts  we  now  come  to  an  LP, one  of  my  all-time  favourites , which  points   towards  many  subsequent  purchases. In  a  way  this  was  my  first  LP  of  the  nineties.   

This  was  something  of  a  speculative  purchase. The  band  had  lurked  around  the  edges  of  my  consciousness  for  a  while  before  I  saw  them  doing  "Don't  Talk "  on  Channel  4's  Earsay
( a  late  night  Whistle Test -type  rock  show  that  came  in  for  vituperative  abuse  in  Record  Mirror 's  TV  column  despite  featuring  many  bands  who  got  good  reviews  elsewhere  in  the  magazine )  and  was  moderately  interested. I  then  read , again  in  Record  Mirror, a  review  of  a  UK  gig  which  really  sold  the  band  to  me  saying  something  like  "Natalie  Merchant  sings  about  the  subjects  others  don't  dare  to  even  think  about". And  so  I  thought  this  was  worth  a  punt.

This  LP  was  released  at  the  tail  end  of  summer  1987  and  was  their  second  for  a  major  label.  The  first  had  received  a  fair  bit  of  critical  acclaim  but  little  in  the  way  of  sales. This  one  was  recorded  after  the  departure  of  one  of  their  guitarists  ( and  co-writer  of  the  first  LP ) John  Lombardo. He wasn't  replaced  and  "In  My  Tribe " is  a  more  collaborative  effort   with  a  cleaner  sound   cannily   produced  by  Sixties  survivor  Peter  Asher . It's  also  helped  by  less  mannered  singing  from  Merchant. Here  the  songs  are  everything; only  one  track  has  a  guitar  solo. The  band  impress  through  versatility  rather  than  virtuosity. Shamefully  it's  never  charted  in the  UK  but  broke  through  in  the  States  ( number  37 ) where  it's  been  a  college  rock  favourite  ever  since.

"What's  The  Matter  Here ?"  is  a  co-write  with  guitarist  Robert  Buck. It's  a  song  about  child  abuse  from  the  point  of  view of  a  suspicious  neighbour  whose  self  righteousness  ( a  perennial  accusation  made  against  Merchant ) - " Get  this  through  that I  don't  approve", "Answer  me  and  take  your  time" -  is  balanced  out  by  the  obvious  compassion  for  the  boy  and  the  confession  of  cowardice  in  the  song's  pay-off.  Buck  works  hard  to  fit  a  wordy  lyric  into  place  opting  for  a  circular  jangly  riff  to  accompany  the  vocal. Although  it  softened  over  time  Merchant's  keening  vocal  style , somewhere  between  kd  lang  and  Stevie  Nicks  is  still  something  of  an  acquired  taste  ( my  US  pen  friend  finds  it  an  impenetrable  barrier ) and  it's  well  exercised  here. The  song  was  a  minor  hit  as  a  single  in  the  USA.

"Hey  Jack  Kerouac"  is  an  upbeat  but  wistful  song  about  the  Beat  writers  and  their  legacy  which  has  me  at  something  of  a  disadvantage  as  I  haven't  read  anything  by  them  not  even On  The  Road . Merchant  has  never  been  self-conscious  about  her  bookishness  and  each  writer  is  addressed  familiarly  by  their  first  name. Allen  Ginsburg  apparently  took  exception  to  this  and  the  blunt  reference  to  his  interest  in  young  boys  and  actually  tackled  her  about  it  receiving  the  disingenuous  answer  that  he  was  included  because  his  name  scanned.  It's  very  tight  musically  with  the  rhythm  section  giving  it  a  real  pop  kick.

"Like  The  Weather "  was  their  first  hit  in  the  States  reaching  number  68  helped  by   a  video  which  introduced  Merchant's  idiosyncratic  dancing  to  the  wider  public . It's  a  Merchant  solo  composition  written  from  the  point  of  view  of  a  housewife  with  Seasonal  Affective  Disorder  who  can  barely  rouse  herself  from  bed. The  subject  matter  is  in  contrast  to  the  upbeat  African-tinged  music  with  Jerome  Augustyniak's  drums  the  lead  instrument  and  a   killer  chorus.

"Cherry  Tree"  is  the  only  song  I'm  aware  of  to  tackle  the  subject  of  adult  illiteracy.It's  an  immensely  warm  song  from  Dennis  Drew's  organ  to  Merchant's  heartfelt  vocal  really  getting  under  the  skin  of  the  protagonist  torn  between  the  desire  to  access  the  world  of  knowledge  and  the  shame  of  admitting  her  deficiency. 

"The  Painted  Desert "  ( a  co-write  with  Augustyniak ) seems  like  a  more  personal  song  about  a  relationship  failing  to  sustain  itself  by  letter  after  one  party  has  moved  away  and  found  a  new  friend.  It's  slower  than  its  predecessors  with  sad  organ  chords  and  Merchant's  vocal  aches  with   wounded  loss.

The  side  ends  on  a  high  with  possibly  their  greatest  song  "Don't  Talk " where  Merchant  adopts  the  persona  of  the  battered  wife  confronting  her  partner's  alcohol-fuelled  abuse. The  verses  seethe  with  pent-up  rage  with  Steve  Gustafson's  melodic  bass  line  duelling  with  Augustyniak's  aggressive  drumming  and  Buck's  angry  guitar  blasts   while  Merchant   drills  through  the  man's  excuses  with  merciless  insight. The  urgent  chorus  provides  a  melodic  sweetener  without  letting  go  of  the  bone   and  then  Buck  is  finally  let  off  the  leash  to  close  it  out  with  a  mournful  solo. I  have  to  admit  there  is  a  similarity  to  Go  Your  Own  Way  in  the  song's  structure  but  as  that's  a  personal  fave  too  I  can  overlook  the  debt.

"Peace  Train"  is  a  cover  of  the  Cat  Stevens  song  and  no  longer  appears  on U.S. CDs  of  the  album, the  band  pulling  it  in  the  wake  of  his  support  for  the  Salman  Rushdie  fatwa  and  consequent  concerns  about  where  he  might  direct  the  royalties. It's  a  largely  faithful  cover  driven  along  by  Augustyniak's  percussion  skills  and  Merchant  recapturing  the  spirit  of  late  60s  idealism  that  its  author  lost  somewhere  along  the  way.

"Gun  Shy"  follows  on  quite  naturally  with  Merchant  casting  herself  as  the  peacenik  sister  of  a  young  man  who  wants  to  join  the  army. It's  folk-rock  at  its  best  with  Drew's  warm  and  woozy  organ  chords  complimenting  Merchant's  achingly  sad  vocal.

She  stays  in  the   sibling  role  for  "My  Sister  Rose"  the  happiest  song  on  the album  as  Merchant  dissects  an  Italian-American  wedding  to  a  cha-cha  rhythm  although  there's  an  undercurrent  of  sadness  at  the  loss of  her  companion  to  married  life.

"A  Campfire  Song"  is  a  moral  fable  , timely  in  the  year  of  Wall  Street,  with   a  simple  "greed  is  bad"  message  although  the  natural  metaphors  suggest  there's  also  an  eco-theme. The  ringing  guitars  and  gorgeous   folk-rock  melody  suggest  The Byrds  or  maybe  someone  else. And  lo  and  behold  there's  another  voice  coming  in  on  the  middle  eight  and  one  Michael  Stipe  Esq.  makes  his  first  appearance  in  our  story. ( When  I  saw  them  in  Manchester  six  months  on  from  here  Merchant  picked  a  guy  from  the  audience  to do  Stipe's  bit  and  his  singing  was  so  bad  it  removed  any  suspicion  that  he  was  a  stooge).

"City  Of  Angels"  is  the  nearest  this  album  gets  to  a  duff  track. It's  a  protest  song  about  the homeless  people  of  Los  Angeles  with   an  excess  of  laboured  irony  around  the  city's  name. An  unattractive  hectoring  tone  also  creeps  into  Merchant's  voice  as  the  song  progresses. The  languid  pace  and  guitar  work suggest   a  Cocteau  Twins  influence. It's  actually  OK  ; it  just  doesn't  shine  in  this  exalted  company.

That  leaves  the  astonishing   "Verdi  Cries"  (  a  big  favourite  with  Stipe  who  re-wrote  it  as  Nightswimming  a  few years  later )  which  is  effectively  a  Merchant  solo  recording  , her  voice  and  piano  accompanied  only  by  some  guest  string  players. If  anyone  can  listen  to  this  beautifully  played  and  sung   litany  of  dearly -held  childhood  holiday  memories  with  its  pregnant  pauses  without  welling  up  they've  already  died.  The  older  you  are  the  more  you  feel  this  extraordinary ( especially  given  Merchant  was  only  23 when  she  wrote  it ) song.

There's  nothing  better  than  an  album  which  exceeds  all  your  expectations. This  is  definitely  one  of  my   Desert  Island  Discs. It  blew  away  any  last  vestiges  of  anti-American  prejudice  in  my  record-buying  for  good  ( as  you'll  see ). That  none  of  its  participants  have  ever  done  anything  quite  as  good  since  doesn't  really  matter.