44 A Walk Across The Rooftops - The Blue Nile

Purchased  :   July  1985

Tracks : A  Walk  Across  The  Rooftops / Tinseltown In The Rain / From  Rags To  Riches / Stay / Easter  Parade / Heatwave / Automobile  Noise

This  was  purchased  in  Oldham  at  HMV,  my  last  visit  there  for  record-buying purposes  for  some  years. I  was  only  looking  for  the  single  "Tinseltown  In  The  Rain"   but  on  being  told  it  was  deleted  decided  to  splash  out  on  the  LP, at  full  price  too !

They  had  that  effect  on  me  you  see. The  Blue  Nile, the  80s'  most  enigmatic  band , were  my  first  entirely  post-school  enthusiasm. I'd  neither  heard  nor  heard  of  them  until  the  early  summer  of  1984  when  this  album  and  its  first  single  came  out.  I'd  read  the  enthusiastic  reviews  in  Smash  Hits  and  Record  Mirror   and  for  once  I  thought  the  praise  was  justified.

The  album  came  out  on  Linn  records  a  record  label  created  by  a  company  better  known  for  making  electronic  drums  but  whose  representatives  had  been  bowled  over  by  the  music  the  little-known  band  from  Glasgow  University   had  demo'ed  for  them  as  an  advertisement  for  a  piece  of  kit. The  band  were  a  three  piece  with  Paul  Buchanan  on  vocals  and  guitar, Robert  Bell  on  bass  and  Paul  Joseph  Moore  on  keyboards. They  were  in  their  late  20s  and  that's  important  because  this  isn't  kids'  music ; it   reflects  adult  emotions  and  preoccupations. It's  also  utterly  timeless; no  one  coming  to  it  cold  could  confidently  place  it  in  the  brash  world  of  Frankie's  1984.

The  title  track  is  first. It  rises  from  a  bed  of  barely  audible  ambient  keyboards  before  a  single  horn  cues  in  Buchanan. Buchanan's  voice  was  never  going  to  win  them  mass  appeal, cracked  and  world-weary  as  it  is  and  you  can  hear  him  really  straining  for  the  high  notes, but   its  naked  vulnerability  is  necessary  to  prevent  some  of  these  songs  descending  into  Sade-like  bland  tastefulness. The  title  conjures  up  images  of  Mary  Poppins  and  there's  a  filmic  quality  to  all  of  these  songs, Buchanan's  lyrics  containing  vivid  images  such  as  "white rags  falling  slowly  down, flags  caught  on  the  fences".   The  song  is  a  sentimental  farewell  to  the  band's  alma  mater  with  its  sandstone  buildings  and  the  nearby  church  of  St  Steven  mentioned.  It  was  the  song  originally  supplied  to  Linn  originally  with  just  one  instrument  at  a  time  playing  to  demonstarte  their  console's  clarity. Thankfully  that  isn't  the  case  here  but  a  stop-start  structure  remains  with  the  strings  frequently  coming  to  a  sudden  stop. I'm  not  too  keen  on  the  sludgy,  over-loud  bass  and  the  sparse  drums  don't  seem  to  conform  to  any  recognisable  time  signature  but  its  an  effective  opener.

Next  up  is  "Tinseltown  In  The  Rain"  which  doesn't  stand  out  as  much  in  the  context  of  the  LP  as  it  did  as  a  brave  single  in  the  brash  summer  of  1984. Again  the  setting  is  Glasgow  although the  Hollywood  reference  is  surely  deliberate  and  it's  a  wistful  muse  about  the  impermanence  of  love  and  joy- "will  we  always  be  so  happy  go  lucky ? "  which  made  my  19-year  old  self  feel  very  mature  in  appreciating  such  an  adult  song. For  them  it's  brisk  with  a  sawing  guitar  line  that  strangely  echoes  How  Soon  Is  Now  and  sweeping  strings  on  the  chorus. There's  even  a  touch  of  funk  guitar  in  the  middle  which  should  seem  wildly  out  of  place  but  doesn't. This  version  seems  a  tad  too  long  when  it  repeats  the  killer  "Do  I  love  you"  verse  but  that's  the  only  possible  criticism.

"From  Rags  To  Riches"  drops  the  strings  and  their  debt  to  the  more  serious  end  of  synth-pop , Kraftwerk, early  OMD , late  Japan,  becomes  more  obvious. Amid  a  burble  of  synth  noise  and  the  echoey  drum  sound  from  OMD's  Sealand , Buchanan  sings  of  leaving  home  to  make  good, a  theme  stridently  taken  up  by  The  Proclaimers  three  years  later. He  sees  himself  as  a  latter-day  Joseph  making  good  in  a  foreign  land  "I  wear  a  coat  of  many  colours". It's  a  provocative  theme for  polarised  times,  somewhat  mitigated  by  Buchanan's  parched  delivery  and  the  harsh  synthesised  horns  that  punctuate  the  verses   make  it  one  of  the  harder  tracks  to  love.

"Stay"  the  second  single, opens  up  Side  Two  and  is  the  most  conventional  pop  song  on  the  LP  with  its  conventional  beat , clipped  guitar  and  simple  keyboard  lines  putting  it  firmly  in  China  Crisis  territory.  The  song  is  a  plea  from  a  dour,  older  man  to  a  young  and  vivacious  girl  to  stick  with  him - "Stay  and  I  will  understand  you" ,  a  sort  of  Elvis  Costello  song  without  the  sneering. Buchanan's  desperate  cries  at  the  end  suggest  it's  not  working.

The  desolate  "Easter  Parade"  follows , its  images  of  celebration   completely  at  odds  with  the  sparse,  mournful  music,  just  a  piano  and  doom-laden,  heart-stopping  synth  washes. Whatever  event  Buchanan  is  witnessing  he's  not  able  to  participate  in  the  festivities  which  reminds  me  of   having  to  cope  with  my  mother's  death  at  the  start  of  the  Queen's  Golden  Jubilee  weekend  in  2002.

"Heatwave"  is  quite  strongly  influenced  by  Japan's  Tin  Drum   with  its  Oriental  percussion  and  Mick  Karn-aping  fretless  bass  although  these  drop  out  for  one  of  the  album's  most  melodic  choruses. It's  one  of  the  bitterest  lyrics  on  the  LP  with  Buchanan  in  accusatory  mood  before  unleashing  the  sourest  of  hooklines  "Why  is  it  rolling  down  on  the  young  and  foolish "  worthy  of  early  Joe  Jackson.

"Automobile  Noise"  the  final  track  sounds  like  a  corrective  to  the  earlier  pro-emigration  sentiments  with  its  unenthusiastic  description  of  urban  America  and  "climbing  the  ladder  to  all  the  money  in  the  world". When  he  sings  "saddle  the  horses  and  we'll  go"  it  sounds  like  he's  going  to his  doom .
The  music  is  only  really notable  for  the  variety  of  percussion  sounds  used  and  it's  a  slightly  disappointing  end  to  the  LP.

I  must  admit  that  25  years  on  it  has  lost  that  special  lustre  for  me  though  it  still  rests  in  its  protective  plastic  cover. A  follow-up  which  didn't  significantly  advance  the  sound  after  a  five  year  wait  and  pale  imitations  like  Deacon  Blue's  Raintown  which  is  almost  a  tribute  LP  have  seen  to  that. Like  Joy  Division  they  don't  suit  every  mood  and  this  goes  for  long  periods  without  being  played  but  it  remains  unique  and  rewarding.

43 Mange Tout - Blancmange

Purchased  : July  1985

Tracks :  Don't  Tell Me / Game  Above  My  Head / Blind  Vision / Time  Became  The  Tide / That's  Love  That  It  Is / Murder / See The  Train / All  Things  Are  Nice / My  Baby / The  Day  Before  You  Came

Good  old  W H  Smiths  had  another  cassette  sale  in  the  summer  of  1985  which  enabled  me  to  catch  up  on  some  of  the  albums  I'd  missed  the  year  before.

This  was  Blancmange's  second  and  most  successful  LP  released  in  June  1984. They  were   another  odd  couple  synth  act,  gregarious  Northern   giant  Neil  Arthur  ( the  only  pop star  to  hail  from  my  wife's  birthplace )  and  scrawny  synthster  Steve  Luscombe  a  Londoner  four  years  Arthur's  senior. They  were  around  at  the  dawn  of  synthpop  but  took  a  while  to  get  into  commercial  focus; after  releasing  an  EP  of  avant-garde  electronica   called  "Irene  And  Mavis"  in  1980,  they  didn't  put  out   a  proper  single  until  the  excellent  "God's  Kitchen / I've  Seen  The  Word" ,  a  minor  hit  in  April  1982,  making  their  commercial  breakthrough  with  the  single  "Living  In  The  Ceiling"  six  months  later.
Discounting  a  school  punk  band  in  1980  they  were  the  first  band  I  ever  went  to  see  in  May  1984.

This  was  released  on  the  back  of  another  Top  10  single  "Don't  Tell  Me"  which  opens  the  LP. It  was  never  one  of  my  favourite  songs ; it  seemed  to  repeat  the  "Ceiling" formula -  dance  beat, Indian  flavourings, troubled  lyric - without  that  song's  air  of  menace. It  is  an  effective  pop  song  with  Pandit  Dinesh's  chattering  tabla  adding  percussive  colour  and  Neil  Arthur, always  an  under-rated  vocalist, adopting  a  softer  tone  on  the  verses then  reverting   to  his  customary  baritone  somewhere  between  Curtis  and  McCulloch  on  the  chorus.

"Game  Above  My  Head"  is  next. A  less  vocal  version  had  already  appeared  on  the  12  inch  of  their  fourth  single  "Waves"  and  indeed  the  amount  of  previously-released  material  on  the  LP  was  disappointing. That  said  it's  a  great  song, almost  a  synthpop  Green  Manalishi  with  Arthur  suffering  disturbed  sleep  and  visions - "don't  tell me  I'm  looking  well" . Bobby  Collins's  spartan  bass  recalls  Derek  Forbes  on  Simple  Minds's  Seeing  Out  The  Angel .  There's  a  brief  moment  when  the  music  approaches  a  resolution  then  the  previous  verses  are  repeated  to  deny  this.

The  oxymoronic  "Blind  Vision" follows , another  top  10  single  released  a  full  year  earlier. This  hints  even  more  strongly  at  mental  illness   with  a  side-helping  of  sexual  innuendo  -"it's  getting  harder  ooh  it's  getting  hard"  while  a  full  compliment  of  guests  including  Peter  Gabriel  cohort  David  Rhodes  on    guitar   and  the  ubiquitous  Jocelyn  Brown   brew  up  a  storm  of   white  funk. It  owes  a  great  deal  to  Talking  Heads  particularly  Arthur's  exclamatory  vocal.

"Time  Became  The  Tide"  is  the  equivalent  to  "Waves"  on  the  first  LP , a  big  ballad  furnished  with  strings, bells  and  grand  piano  like  an  early  70s  Colin  Blunstone  track  or  Clifford  T  Ward. I'm  not  sure  the  song, chockfull  of  nautical  metaphors,  is  strong  enough  to  support  the  lush  arrangement  despite  Arthur's  careful  vocal. It  feels  more  like  a  demonstration  of  musical  prowess than  real  inspiration.

The  side  concludes  with  "That's  Love  That  It  Is"  a  less  successful  single  from  November  1983  that  was  in  and  out  of  the  charts  so  fast  I'd  only  heard it a  handful  of  times. The  reason  was  probably  the  similarity  to  "Blind  Vision"  although  it's  more  of  a  song. Unusually  for  them  it's  also  very  wordy  with  no  real  chorus  which  becomes  a  bit  exhausting  by  the  end  of  the  track.

Side  Two  is  thinner  fare  starting  with  "Murder"  a  non-song   with  aspirations  to  be  Yello  or  Cabaret  Voltaire. They  could  do  this  sort  of  hard  electro-funk  competently  enough  but  they  were  much  better  as  a  pop  band   and  this  is  a  long  five  minutes  of   clattering  percussion, guitar  squall  and  tuneless  chanting.

"See  The  Train"  is  a  mild  diversion,  an  a  capella  track  with  a  multi-tracked  Arthur  doing  a  barber  shop  quartet  routine  apparently  about  a  man  preparing  to  throw  himself  under  a  train. Again, the  song  just  isn't  strong  enough  to  achieve  the  desired  effect.

The  sample-heavy  "All  Things  Are  Nice"  is  interesting  for  its  similarities  to  Paul  Hardcastle's  19  which  was  released  the  following  year. particularly  a  sample  about  First  World  War  casualties. In  turn  it  owes  a  lot  to  Byrne  and  Eno's  My  Life  In  The  Bush  Of  Ghosts  project  with  David  Rhodes  again  on  hand  to  add  the  requisite  choppy  guitar. It's  B-side  material  really.

"My  Baby"  at  least  returns  us  to  the  world  of  the  pop  song  a  tongue-in-cheek  tale  of  domestic  strife  which  Arthur  sings  in  the  angst-ridden  style  of  OMD's  Andy  McCluskey. The  line  "My  baby's  got  a  face  like  a  long  wet  Sunday"   shows  that  Arthur  hasn't  forgotten  his  Lancastrian  roots  but  otherwise  the  song's  rather  unremarkable  and  could  pass  for  The  Thompson  Twins.

The  album  closes  with  an  extended  version  of  "The  Day  Before  You  Came"  the  last  single  release  from  the  LP  in  August  1984. The  song  was  the  last  ever  recorded  by  Abba  and  charted  modestly  less  than  two  years  earlier. Blancmange's  version  was  only  the  second  Abba  cover  to  chart  (following  Sweet  Dreams's  Honey  Honey  in  1974 )  and  beat  the  original  by  10  places  when  it  peaked  at  22.  The  band's  motivation  for  recording  it  seems  to  have  been  to  raise  its  profile  after  such  a  poor  chart  showing  and  indeed  its  critical  stock  has  risen  over  the  years. It  describes  a  mundane  way  of  life  that  is  about  to  be  turned  upside  down  by  a  fateful  encounter  but  whether  that's  a  good  or  bad  thing  is  left  open  and  the  melancholy  melody  suggests  that  all  may  not  be  well. It  could  even  be  interpreted  as  a  suicide  song.  The  boys  don't  really  explore  that  angle; although  it's  played  fairly  straight  they  substitute  Barbara  Cartland  for  the  more  cerebral  Marilyn  French  as  the  author  being  read  in  bed  and  Arthur  splutters  the  name  out  to  underline  the  preposterous  notion. The  original's  sparse  arrangement  is  fleshed  out  by  Dinesh's  tablas  and  Valerie  Ponomoren's  trumpet. It  has  its  merits  but  I  think  the  original  wins out.

Overall  it  is  a  rather  disappointing  LP  and,  despite  having  the  biggest  quota  of  hits,  the  weakest  of  the  three  they  recorded  in  their  original  lifetime. At  the  time  of  writing  they've  just  reunited   so  we  will  see  if  the  new  LP  can  better  it  too,

42 The Way We Wah

Purchased : May  1985

Tracks : Other  Boys / Some  Say / The  Seven  Thousand  Names  Of  Wah / Seven Minutes  To  Midnight / The  Death  Of  Wah / The  Story  Of  The  Blues  Parts  1 & 2 / Sleep / You  Can't  Put Your  Arms  Around  A  Memory / Hope / Remember 

I  bought  this  at  mid-price  somewhere in  Leeds.

This  is  a  compilation  of  material  Wah  in  their  many  guises  recorded  for  WEA  before   being  dropped  in  1983, strangely  ( for  the  time ) just  after  making  their  chart  breakthrough. Hit  singles  the  following  year  for  Beggar's  Banquet  prompted  this  retrospective   and  also  my  going  to  see  them  at  Leeds  in  November  1984. I  was  impressed  enough  to  pick  this  up  when  I  had  the  chance.

Wah  were of  course  a  vehicle  for  Pete  Wylie  who  changed  the  group  name  as  often  as  the  line  up. He  is  actually  most   remembered  for  coining  the  term  "rockism"  in  the  early  80s  to  describe  the  conservative  attitudes  in  music  criticism  that  he  and  fellow  post-punkers  were  kicking  against. Assuming  you  accept  its  existence , rockism  can  be  viewed  as  either  a  benign  attempt  to  elevate  the  best  popular  music  to  stand  against  the  classical  greats  or  a  more  malign  endeavour  to  create  a  hierarchy  in  pop  with  white  males  at  the  top  of  it. Either  way  the  concept  has  had  a  much  longer  shelf  life  than  Wylie himself  whose  last  hit  (barring  a  guest  appearance  with  The  Farm  in  1991)  was  in  1986  and  who  hasn't  released  anything  in  over  a  decade.  Joe  Strummer  even  credited  Wylie 's  "rockist "  jibes  with  inciting  Mick  Jones  to  leave  The  Clash.

The  album  is  roughly  chronological  so  on  Side  One  you  get  the  uncompromising  post-punk  stuff   that  made  Wylie  the  darling  of  the  inkies  while  selling  diddley-squat  while  Side  Two  shows  how , like  so  many  of  his  contemporaries,  he  took  the  New  Pop  shilling  and  headed  for  the  charts.

"Other  Boys"  is  one  of  six  tracks  from  their  debut  LP  "Nah  Poo  The  Art Of  Bluff"  which  charted  for  a  few  weeks  in  1981  despite  containing  not  even  a  minor  hit. Starting  with  a  whisper  spelling  out  the  title  followed  by  an  abrasive  guitar  blast  it  sets  out  their  uneasy  listening  template, a  brutalist  drum  machine, submerged  bass, screechy  keyboards  and  freeform  guitar  noise  that  looks  forward  to  JAMC. Then  you  have  the  Wylie  voice  a  phlegmy  one-dimensional  holler  that  always  aims  for  the  heroic  but  never  quite  gets  there. There  isn't  even  a  hint  of  melody  and  I  can't  quite  grasp  what  the  song's  about  perhaps  a  vague  call-to-arms  with  didactic  phrases  like  "guess  your  number"  and  "try  on  new  heads".

"Some  Say" , a  different  version  of  which  failed  as  a  single,  is  more  of  the  same  although  a  more  conventional  guitar  riff  makes  it  slightly  more  accessible.Wylie  rails  against  unspecified  oppressors  and  false  prophets  - "they  are  liars,  liars , liars"  although  the  fourth  verse  seems  to  refer  to  Ian  Curtis  with  the  line  "Dance  dance  to  the  music  of  the  last  chance  man"  referencing  the  hookline  of  Transmission. This   is  also  the  cue  for  some  very  Sumner-esque  guitar  thrashing. Elsewhere  there's  some  very  proggy  keyboard  abuse  in  the  instrumental  breaks.

"The  Seven  Thousand  Names  of  Wah"  affords  a  break  from  the  Wylie  voice  as  its  almost  entirely  instrumental. With  real  drums  and  something  approaching  a  melody  this  is  a  tad  more  accessible  despite  all  the  feedback  howls  and  in  places  starts  to  resemble  Love  Sculpture's  Sabre  Dance  with  which  it  shares  a  similar  tempo. Wylie  comes  in  at  the  death  with  the  line  "One  by  one  the  stars  are  going  out".

Next  up  is  a  live  version  of  "Seven  Minutes  to  Midnight"  the  most  celebrated  of  their  early singles  but  still  not  a  hit. The  title  is  a  reference  to  the  1980  setting  of  the  nuclear  doomsday  clock  although  the  idea  is  used  more  as  a  metaphor  (excuse? ) for  existential  despair   in  the  song.  And it  is  a  proper  song, the  first  hint  of  Wylie  the  songwriter  as  opposed  to sloganeer. Long-term  collaborator  Washington  lays  down  a  Steve  Severin -style  pulsing  bassline  which  anchors  the  song  while  big   chords  and  more  conventional  keyboards  add  drama  to  Wylie's  tale  of  confusion -"I've  got  a  problem  with  balance  now, there  is  no  right  or  wrong". The  self-lacerating  climax  - "I'm  the  lies  that  your  kids  should  be  told" - makes  you  warm  to  him.

The  side  concludes  with  "The  Death  Of  Wah"  a  5.5  minute  epic  which  closed  the  "Nah-Poo.."  LP.
It  begins  with  a  very  Steve  Morris  drum  pattern  that  runs  right  through  the  song  accompanied  by  Washington's  steely  bass  and  echoey  keyboards  which  also  recall  late  Joy  Division. The  lyrics  are  very  hard  to  decipher  the  most  obvious  phrase  being  "I  can  move  mountains" . Three  minutes  in  Wylie  starts  to  have  some  fun  and  reveal  some  rather  different influences. Washington's  bass  solo  leads  the  way  to  Blinded  By  The  Light  keyboards  and  a  verse  of  Everybody's  Talking.

Apart  from  one  more  track  from  "Nah  Poo",  Side  Two  sees  Wylie  cleaning  up  the  sound  and  heading  for  the  charts. It  begins  with  "The  Story  Of  The  Blues  Parts  1 &  2 "  their  No  2  hit  from  1983  and  the  biggest  hit  to  emerge  from  the Liverpool  post-punk  scene  until  the  Big  In  Japan  diaspora  started  claiming  the  top  spot  a  year  later. It  might  have  reached  number  one  if  the  band  hadn't been  barred  from  a  second  Top  Of  The  Pops  appearance  for  breaching  the  rules  on  recording  their  backing  track at  the  TV  studio. I  always  thought  it  was  a  bit  lucky  to  get  so  far,  taking  advantage  of  the  post-Christmas  lull,  media  interest  in  Liverpudlian  poverty  after  the  recent  transmission  of  Boys  From  The  Blackstuff  and  saturation  coverage  on  Radio  One  from  John  Peel  downwards (it  was  the  subject  of  Peel's  infamous  "breaking  wind" comment  on  TOTP). You  never  hear  it  on  the  radio  these days  and  I  think  that's  because  the  sound  hasn't  dated  well,  the  primitive  drum  machines  and   Fairlight  fake  brass  rooting  it  too  firmly  in  the  early  80s. Despite  an  obvious  debt  to  The  Associates  it  remains  quite  a  good  song   with  a  nice  build  up  to  a  rousing  chorus  and  sensibly  unspecific  lyrics  so  you  can  take  its  message  of  coming  through  trials  as  either  personal  or  political. Even  with  a  liberal  sprinkling  of  echo, Wylie's  vocal   struggles  to  stay  in  tune  but  the  pill  is  vitally  sweetened  by  having  a  couple  of  gospel  singers  to  help  him  out  on  the  trickier   bits.

All  the  above  really  relates  just  to  part  1. Although  the  transition  is  seamless  on  here  Part  2  was  the  B-side  and  is  a  spoken  rant  to  the  same  backing  track   about  poverty  and  oppression  that  could  have  come  from  Blackstuff's   George  Malone  but  for  the  supposed  quote  from  Sal   Paradise  in  On  The  Road.  In  fact  it  comes  from  a  different  character  in  another  of  Kerouac's  novels  which  I  find  quite  amusing; if  you're  going  to  be  pretentious  at  least  get  the  facts  right ! Actually  the  whole  thing  is  a  bit  unnecessary  making  Wylie  sound  like  a  self-righteous  berk  who  takes  himself  too  seriously.

We  then  back  track  to  "Sleep"  from  the  first  LP  subtitled  "A  Lullaby  For  Josie"  the  first  of  a  number  of  songs  in  Wylie's  career  addressed  to  his  girlfriend  and  muse  Josie  Jones. Although  relatively  accessible  it's  hardly  a  lullaby. The  prowling  bassline  and  questioning  piano  reveal  a  love  of  70s  soul. The  song  conjures  up  an  atmosphere  of  late  night  dread  with  Josie  exhorted  to  keep  moving  and  ignore  the  ramblings  of  an  ageing  pub  bore.

Midway  through  there's  a  mini-cover  of  Johnny  Thunders's  "You  Can't  Put  Your Arms  Around  A  Memory "  which  condenses  the song about  resignation  to loss  into  a  single  verse  and  chorus. With  a  near- identical  single  acoustic  arrangement  Wylie's  restrained   vocal  is  actually  an  improvement  on  Thunders  and  leaves  you  wanting  more. When  I  saw  them  in  Leeds  Wylie  thoughtfully  dedicated  the  song  to  George  Best  who'd  been  committed  to  prison  for  drink  driving  earlier  that  day.

The  album  ends  with  the  two  singles  that  bookended  the  big  hit  though in  reverse  order. "Hope"  was  seen  as  a  disappointing  follow  up  and  its  failure  to  advance  past  number  37  proved  that  Wylie  hadn't  become  a  superstar  overnight.  I  think  it's  a  better  song   and  ironically  sounds  much  more  authentically  bluesy  than  its  predecessor. With  a  slow soul  beat  played  on  real  drums and  a  gospelly  intro  Wylie  reins  himself  in  on  this  unambiguously  personal  song  of  hurt  and  betrayal   and  allows  the  impressive  backing  singers  to  lead  him  on  almost  every  line. The  chorus  is  particularly  good  ; the  girls  deliver  the  lead  line  "You  lied  to  me; I  wish  you'd  believe  me "  to  which  Wylie  responds  with  a  wordless  cry  of  pain  then  recovers  for  a  bittersweet  plea  "Remember  the  time  in  the  park  remember  the  time  after  dark"  underscored  by  a  plaintive  piano. The  best  bit  of  music  on  the  LP  by  some  way.

Finally  we  come  to  "Remember"  released  in  March  1982  under  the  silliest  of  his  nom  de  plumes, Shambeko  Say  Wah, and  widely  seen  as  Wylie's  first  attempt  at  a  hit  single. That  didn't  quite  come off , competition  for  the  charts  being  unusually  strong  at  the  time, but  the  change  in  the  sound  is  quite  plain.  With  a  driving  Northern  Soul  beat  and  the  guitar  barrage  dropped  for  a  power-pop  riff  that  makes  for  a  great  intro  it's  likely  the  future  Boo  Radleys  were  listening  at  this  point. Alas  the  song  that  follows  is  a  bit  disappointing.  Wylie  bludgeons  the  ear  with  an  unfocussed  rant  that  owes  more  than  a  little  to  Dexys"  There  There  My  Dear  minus  Rowland's  beguiling  eccentricity.

Wah  never  got  out  of  the  second  division  and  I  don't  play  this  very  often  now   but  it  is  a  good  reflection  of  an  interesting  period  in  pop  and  certainly has  its  moments. 

41 Hysteria - Human League

Purchased  :    May 1985

Tracks :  I'm Coming  Back / I  Love  You  Too Much / Rock  Me  Again  And  Again  And  Again  And  Again  And  Again  And  Again / Louise / The  Lebanon / Betrayed / The  Sign / So  Hurt / Life  On  Your  Own / Don't  You  Know  I  Want  You

This  was  purchased  on  cassette  from  Bostock's  in  Leeds. I  already  had  two  of  the  three   singles  but  crucially  not  the  one  I  most  wanted.

This  was  the  much-delayed  follow-up  to  their  multi-platinum  selling  "Dare"  in  1981. Released  two  and  a  half  years  later,   after  a  couple  of  standalone  singles  and  a  remix  album,  "Hysteria"  has  been  marked  down  as  a  critical  and  relative  commercial  failure. It  brought  their  brief  spell  as  chart  superstars  to  an  abrupt  end.  It  had  a  difficult  birth  with  first , "Dare"  producer  Martin  Rushent  and  then  Chris  Thomas  being  dropped  from  the  project  before  Hugh  Padgham  completed  the  sessions. The  title  is  reputed  to  be  a  reference  to  behaviour  in  the  studio. None  of  this  is  very  evident  from  what's  on  tape. Apart  from  the  introduction of  Jo  Callis's  guitar  the  sound  isn't  a  great  jump  forward  from  "Dare" ;  it's  clean  and  spare  synth  pop  that  doesn't  seem  to  leave  much  scope  for  quarrels  with  the  producer.

Ironically  the  first  song  is  titled  "I'm  Coming  Back"  and  it's  a  muted  resurrection to  say  the  least. Written  by  Phil  Oakey  and  Adrian  Wright  it's  a  mid-paced  electro-dance  number about  defiance without  a  strong  tune  and  most  notable  for  the  introduction  of  Callis's  power  chords  in  the  bridge  to  the  chorus. The  electro-percussion  break  in  the  middle  eight  resembles Yazoo's  Don't  Go  which  is  ironic  given  Oakey's  public  dismissal  of  the  latter  group.

"I  Love  You  Too  Much"  was  written  by  the  two  musicians, Callis  and  bassist  Ian  Burden  with  some  input  from  Wright  and  is  much  sprightlier  with  arching  harmonies  from  the  girls  Joanne  Catherall  and  Suzanne  Sulley   and  an  impressive  Bernard  Edwards-inspired  funk  bassline  from  Burden. Callis  plays  some  sizzling  guitar  in  the  middle  eight   of  a  song  about  obsession  which  could  have  been  a  single.

"Rock  Me  Again  And  Again  And  Again And  Again And  Again"  reminds  you  of  Oakey's  taste  for  ironic  cover  versions  carried  over  from  the  original  line-up, this  time  taking  on  a  song  by  the  sainted  James  Brown. I've  never  been  a  great  fan  of  Brown's  music  so  I  just  take  the  track  on  its  own  merits. You  fear  the  worst  from  the  intro  with  Oakey  really  straining  on  the  exclamatory  "oh's  but  after  that  he  does  a  credible  job  in  a  style  well  outside  his  comfort  zone. Musically  too  its  interesting  with  a  minimalist  staccato  synth  line  and  ironic  Shaft guitar  commentary  from  Callis. A  decent  false  ending  too.

Next  up  is  "Louise"  a  delayed  third  single  in  December  1984  released  as  a  follow-up  to  Oakey's  big  hit  with  Giorgio  Moroder,  Together  In  Electric  Dreams  that  autumn  and  like  the  others  peaking  in  the  teens. Written  by  Oakey,  Callis  and  Wright  it's  hung  on  a  nagging  synth  bassline  that  would  be  irritating  on  a  lesser  song. Conceived  by  Oakey  as  the  long-delayed  reunion  of  the  two  protagonists  of   Don't  You  Want  Me  it's  touching  and  sincere  despite  the  hammy  spoken  bit  and  has  a  good  claim  to  be  his  best  lyric.

Side  One  ends  with  "The  Lebanon"  the  fan-flummoxing  first  single  whose  failure  to  reach  the  Top  10  foreshadowed  the  fate  of  the  LP.  With  the  synths  taking  a  back  seat  and  even  the  drum  machine  programmed  to  a  rock  rather  than  dance  beat  the  sound  is  dominated  by  Callis's  searing  PiL  guitar  and  Burden's  thundering  bassline  which  combine  for  a  great  intro.  Written  by  Callis  and  Oakey  as  a  response  to  the  Palestinian  camp  massacres  of  1982  it  understandably  avoids  getting  into  the  ferociously  complicated  politics  of  the  hotspot  state  concentrating  on  the  observations  of  a  couple  of  individuals  caught  in  the  mayhem. I  think  the  much-criticised  line  "And  where  there  used  to  be  some  shops  is  where  the  snipers  sometimes  hide"  is  actually  quite  good  at  highlighting  the  human  tragedy  involved. The  girls  do  let  it  down  a  bit  singing  their  lines  off-key  with  all  the  passion  of  an  answering  machine  and  this  version  goes  on  too  long  merely  repeating  musical passages  from  earlier  in  the  song.

"Betrayed "  is  another  Wright / Oakey  composition  and  like  the  previous  one  displays  their  tendency  to  write  dirges  when  Callis  and  Burden  aren't  involved. But  for  Callis's  neat  surf  guitar  break  in  the  middle  eight  this  could  have  come  from  Travelogue (the  girls  don't  feature  at  all)  setting   unspecific  images  of  desolation  and  desperation  to  slow  and   ominous  synth  lines. It's  OK  but  B-side  material  really.

"The  Sign"  actually  was  a  B-side  to  "Louise"   and  lives  down  to  it. A  lousy  attempt  at  a  What's  Going  On   state-of-the  world  address,  it  pootles  along  at  mid-pace  with  a  decent  bassline  and  the  pay-off " I  saw the  sign"  line  copped  from  Blancmange's  I've  Seen  The  Word.

"So  Hurt"  picks  things  up  again  with  another  great  funk  bassline  from  Burden  who  co  wrote  it  with  Oakey  and  a  keyboard  riff  that  suggests  Oxygene. Addressed  to  a  deserted  man  the  song  has  a  similar  feel  to  "Love  Action"   with  the  same  shrill  harmonies  on  the  chorus.

Then  comes  the  delayed  gratification  of  "Life  on  Your  Own"  my  favourite  HL  single  both  then  and  now. Released  as  the  second  single  not  long  after  the  LP  it  perhaps suffered  as  a  result  of  the  lukewarm  reception  to  its  parent  and  only  reached  16,  disappointing  Virgin  who  had  hoped  for  another  number  one. It  should  also  be  mentioned  that  having  an  opening  line  of  "Winter  is  approaching  there's  snow  upon  the  ground"  didn't  help  it  sell  in  June. The  classic  intro  starts  with  just  the  percussion  track  then  the  synth  bassline  comes  in  followed  by  some  warm  minor  chords  on  the  synth. That  sort  of  gradual  introduction of  the  instruments  is  always  a  winner  with  me  and  the  song  itself  lives  up  to  it, a  mature  reflective  ballad  from  the  point  of  view  of  a  man  resigning  himself  to  his  unsuitability  for  commitment - "other  people  settle  down ; I  never  do".  Even  the  girls  do  it  justice  with  their  mournful  harmonies  on  the  chorus.

That  just  leaves  "Don't  You  Know  I  Want  You "  written  by  Callis,  Burden  and  Oakey. The  synths  again  take  a  back  seat  to  Burden's  brooding  bassline  and  Callis's  white  funk  guitar  at  least  until  the  soaring  chorus  with  its  impressive  ascending  harmonies. I  like  the  skittering  synths  on  the  middle  eight  and  Oakey's  line  "You  can  act  like  a  monarch  or  a  pillar  of  the  bourgeoisie"  seems  like  a  sly  poke  at  the  often  ponderous  socialism  of  his  ex-bandmates  in  Heaven  17.

I  personally  prefer  this  to  "Dare"  ( which  we  will  get  round  to  eventually )  for  its  more  adult  songs  and  smoother  sound   but  I  guess  I'll  always  be  in  a  minority  there. By  the  time  of  their  next  LP  half  the  band  had  been  shed  and  much  of  the  group's  personality  had  been  surrendered  to   Jam  and  Lewis  who , the  big  hit  single  "Human"  apart,  produced  a  very  uninspiring  album. Oakey  and  the  girls  have  soldiered  on  ever  since  dividing  their  time  between  80s  revival  tours  and   sporadic   hit  singles  which  haven't  persuaded  me  to  invest  in  the  relevant  LPs.

40 Heart Twango & Rawbeat - Original Mirrors

Purchased :  February  1985

Tracks :  Heart  Twango  &  Rawbeat / Dancing  With  The  Rebels / Teen  Beat / When You're  Young / Things  To  Come / Darling  .... in  London / Don't Cry  Baby / Please  Don't  Wear  Red / Swing  Together  / Time  Has  Come

Well  this  one's  a  bit  of  a  joker  in  the  pack. It  was  bought  in  Leeds HMV, possibly  at  the  same  time  as  "Meat  Is Murder" , despite  my  never  having  heard  a  note  of  the  band's  music. There  were  two  reasons. One  was  that  I  had  read  a  lot  ( mainly  favourable )  about  them  in  Record  Mirror  in  the  early  80s and  there'd  been  post-mortem  comments  like  Suggs's  that  Duran  Duran  were  an  inferior  version  plus  the  Record  Mirror  review  of  Talk  Talk's  Today  that  they  were  taking "a  huge  lump  out  of  the  much-missed  Original  Mirrors". That  suggested  I'd  missed  something. Secondly, four  years  after  its  release,  it  was only  £0.99  in  a  sale.

For  those  who  don't  recall  them  at  all  they  were  formed  out  of  the  Liverpool  post-punk  scene  in  1979  by  future  Lightning  Seed  (then  just  a  pip) Ian  Broudie  and  a  singer  Steve  Allen  from  another  forgotten  band, Steve  Allen. The  band  also  included  bass player  Phil  Spalding,  Jonathan  Perkins who'd  been in  the  pre-recording  line  up  of  XTC  and  experienced  drummer  Pete  Kircher  who  went  on  to  a  three  year  stint  with  Status  Quo  including  playing  at  Live  Aid. Despite  supportive  press  and  a  tasty  support  slot  with  Roxy  Music  in  1980  their  two  LPs  (of  which  this  is  the  second) bombed  completely  and  they  split  up  in  1981.

Now  obviously  the  sleeve  (see  above ) didn't  help  it  shift  many  copies  but  what's  in  the  grooves ?  Well  the  first , title,  track's  a  throwaway  near-instrumental  with  yobbishly  shouted  dance  instructions  though  no  one  in  1981  was  going  to  take  the  floor  to  this  horribly  dated  sub-Devo  jerky  guitar  pop. It  is  useful  in  establishing  the  parameters  of  the  sound  with  Broudie's  guitars  and  Kircher's  big  drums ( his  impression  of  Mick  Tucker  on  Ballroom  Blitz  is  the  best  thing  about  this  track; the  cod-Elvis  sign- off,  the  worst)  upfront  and  Perkins  kept  on  a  very  tight  leash . Not  a  great  start.

Next  we  have  "Dancing  With  The  Rebels"  as  resounding  a  flop  as  a  single  as  its  parent  album. This  starts  with  an  intro  of  drum  clicks  similar  to  Antmusic  then  Kircher  and  Spalding  lay  down  an  ominous  rumble  and  clatter  offering  a  solid  platform  for  a  good  song. Glitter  Band   massed  whhoah-ohs  don't  bode  well  and   then  Allen  comes  in  and  the  reason  for  their  failure  becomes  apparent. His  hiccoughing  pub-singer  drawl  with  added  Elvis  inflections  (copped  from  Alan  Vega)  is  ugly  and  grating  and  doesn't  hide  his  inability  to  sing  in  tune. In  a  cartoon  metal  band  he  might  fit ; in  a  sleek  and  shiny  new  pop  group  he  is  a  disaster. The  song  itself  is  another  call  to  arms  directed  at  "the  kids"  with  a  rather  offensive  nod  to  Jonestown - "Kool  Aid  lying  on  the  floor" . For  all  its  faults  there's  a  certain  frisson  in  Kircher's  pounding  that  makes  it  one  of  the  better  tracks.

"Teen  Beat "  is  dismal. The  influence  radar  picks  up  on  Perkins's  Radio  Radio  keyboards  on  a  song  that's  as  superficial  as  the  title  suggests. Quite  what  their  36-year  old  drummer  thought  of  this  slavish  obsession  with  chasing  the  youth  dollar  would  be  interesting  to  know.

And  here  we  go  again  with  "When  You're  Young" (not  The  Jam  song  of  the same  name) , another  patronising  yoof  anthem  which  is  utterly  vacuous  despite the  busy  bass, drum  flourishes  and  acid  guitar  solo.

"Things  To  Come"  is  an  improvement. An  excellent  intro  with  Spanish  guitar , castanets  and  Russianesque  male  harmonies  leads  into  a  song  with  a  relatively  interesting  lyric  about  The  Lone  Ranger. While  the  chorus  doesn't  make  much  sense  in  that  context - Kemo  Sabe  wasn't  noted  for  fretting  about  the  future - it  does  achieve a  sense  of  foreboding  and  drama  for  which  they're  clearly  striving.

"Darling ... In  London"  on  Side  Two  continues  the  Russian  theme  retaining  the  mass  harmonies  on  a  folk  reel  melody  before  the  song  proper  begins  and  the  lyric  seems  to  concern  Russian  sailors  looking  to  make  the  most  of  a  brief  stopover  in  the  West  (pre-dating  Letter  To  Brezhnev) . There's  some  interesting  phased  guitar  and  keyboards in  there  too.

"Don't  Cry  Baby"  takes  us  back  to  the  70s  by  melding  two  acts  from  the  opposite  ends  of  the  glam  spectrum  with  verses  that  are  pretty  similar  to  Bowie's  Golden  Years  and  a  chorus  that  recalls  the  over-produced  Spectorisms  of  the  Rubettes. It's  competent  pastiche, nothing  more.

"Please  Don't  Wear  Red"  is  one  of  the  two  sole  Broudie  compositions (the  title  track  is  the  other)  and  he  gives  us  a  break  from  Allen  by  singing  it  himself.  There  are  few  pointers  to  The  Lightning  Seeds  here  though. The  thunderous  drums, scratchy  guitar  and  screechy  keyboards  are  more  reminiscent  of  early  XTC. I  can't  make  out  enough  of  the  lyrics  (the  vocals  are  very  low  in  the  mix)  to  get  a  sense  of  what  the  song's  about  but  it  lumbers  along  without  having  enough  melody  to  leave  a  lasting  impression.

"Swing  Together"  brings  some  welcome  space  in  the  sound  being  mainly  acoustic  guitar  and  distant  keyboards  with  the  occasional  bass drum  thump  from  Kircher. It's  a  good  arrangement  but  the  lyrics  are  the  same  dismal  we  are  the  youth  nonsense  previously  peddled  by  Secret  Affair   and  hearing  Allen  more  clearly  doesn't  make  him  any  better.

"Time  Has  Come" sees  Broudie  trying  on  a  Banshees  ringing  guitar  sound  for  size  and  the  main  riff  is  quite  similar  to  Siouxsie  and  the  Banshees'  contemporary  Spellbound   which  may  be  connected  to  the  fact  Broudie  and  Banshee  drummer  Budgie  were  previously  in  Big  In  Japan together. That's  the  only  interesting  thing  about  the  track  which  has  empty  modernist  lyrics  and  no  tune. The  chorus  line  goes  "The  time  has  come  but  not  for  you". Couldn't  have  put  it  better  myself  boys.

So  no  I  hadn't  really  missed  anything. Duran  Duran  and  Talk  Talk  owe  nothing  to  these  guys. They  had  the  sound  but  not  the  songs , the  precursors  of   Re-flex  and  Wang  Chung  instead.

39 Meat Is Murder - The Smiths

 

Purchased :  February  1985

Tracks : The  Headmaster  Ritual / Rusholme  Ruffians / I  Want  The  One  I  Can't  Have / What  She  Said / That  Joke  Isn't  Funny  Anymore / Nowhere  Fast / Well  I  Wonder / Barbarism  Begins  At  Home/ Meat  Is  Murder

This  one  was  no  doubt  a  fairly  predictable  choice  as  the  first  purchase  of  the  new  year. I  was  one  of  those  who  helped  it  to  become  the  band's  only  number  one  album. Despite  that  it  doesn't  seem  to  be  anyone's  favourite ; the  critics  all  favour  its  successor. Disappointed  with  the  production  compromises  on  their  debut  the  band  produced  this  one  themselves  though  this  effectively  meant  Johnny  Marr  with  help  from  Stephen  Street  as  engineer. Sonically  it's  a  huge  step  forwards  with  Marr  greatly expanding  his  range  of  guitar  sounds  and  the  rhythm  section  much  more  assured. Morrissey's  vocals  are  also  much  improved.

Lyrically  the  album  is  much  less  introspective  with  Morrissey  picking  more  external  targets  and  introducing  a  political  edge  to  the  band  perhaps  fired  up  by  the  Band  Aid  project  he  had  scathingly  dismissed.  There's  also  a  sense  of  threat  running  through  the  album  with  many  of  the  songs  dwelling  on  violence  whether  at  school, home, the  fairground  or  the  abbatoir . Morrissey's  first  target  was  his  old  secondary  school  in  "The  Headmaster  Ritual". Many  years  later  I  discovered  that  my  father  had   taught  in  the  girls'  school  that  had  been  hived  off  from  Morrissey's  alma  mater  St  Mary's  and  he  concurred  with  Johnny  Rogan's  description ( in  Morrissey & Marr The  Severed Alliance )  of  the  headmaster  Vince  Morgan  as  a  martinet. Though  the  events  described  occurred  at  least  a  decade  earlier  the  song  bristles  with  anger  at  the  institutionalised  sadism ; the  world  of  bullying  Brian  Glover  not  Roger  Waters'  hpocritical  bleatings  or  Suggs's classroom  gangsters.  The  song's  yodelling  coda  has  Morrissey  echoing  down  the  empty  corridors  like  a  vengeful  fury. The  musical  attack  is  in  the  fiercely  strummed  acoustic  guitars  and  Joyce's  emphatic  drumming  with  the  electric  arpeggios  vaguely  reminiscent  of  Don't  Fear  The  Reaper  prodding  Morrissey  to  catharsis.

The  following  song  switches  the  focus  to  the  fairground  in  a  riot  of  plaigiarism  with  the  music  a  clear  lift  from  Elvis  Presley's  His  Latest  Flame  (the  first  clear  nod  to  50s  rockabilly  in Mozza's  career) and  much  of  the  lyrical  imagery  cribbed  from  a   poem  by  the  execrable  Victoria  Wood though  the  added  violence  is  all  Morrissey. Latterly  better  known  for  student  digs  and  its  Curry Mile  the  Rusholme  of  the  seventies  supplied  the  hooligans  who  disrupted  the  fairs  of  Morrissey's  childhood  and  it's  his  juxtaposition  of  this  memory with  the  teenage  romances  for  which  he's  relying  on  Wood - "then  someone  falls  in  love  then  someone's  beaten  up "  that  makes  the  song  compelling  although  Rourke's  bass  playing  is  also  worthy  of  note.

"I Want  The  One  I  Can't  Have"  returns  to  more  personal  concerns. Lyrically  it  seems  a  cut-and-paste  job  with  verses  about  the  mind/body  dichotomy  previously  explored  on  "Still  Ill" , working  class  sex  and  a  teenage  delinquent  bundled  around  the  title  line  achingly  delivered  by  Morrissey  amid  lashings  of  rock  guitar  at  times  recalling  the  Jam's  Private  Hell.

"What  She  Said"  is  possibly  the  most  aggressive  Smiths  song  of  all  with  Marr's  fast- fingered  guitar  work  seemingly  locked  into  a  race  to  the  finish  with  Joyce's  dense  drumming. Above  the  din  Morrissey  arily  sings  of  a  female  kindred  spirit  a  bookish  recluse  who's  rough  sexual  encounter  with  "A  tattooed  boy  from  Birkenhead"  has  only  reinforced  her  view  that  life  isn't  worth  living.

After  the  storm  comes  the  calmer  "That  Joke  Isn't  Funny  Anymore"  which  was  released  months  later  as  a  single  and  became  the  only  one  apart  from  "Hand  In  Glove"  to  miss  the  Top  40 (after  which  they  were  obliged  to  make  promotional  videos) . It's  the  most  musically  ambitious  track,  in  waltz  time  (with  Joyce's  crashes  in  unusual  places)  with  backwards  guitar  and  a  false  ending  where  the  band  return  without  Morrissey  as  if  they've  sneaked  back  in  when  he  wasn't  looking. The  lyric  chastises  Morrissey's  critics  although  exactly  what  was  the  joke  is  never  quite  clear. It  climaxes  with  a  repeated  incantation  of  a  Katherine  Hepburn line  from  her  1935  film  Alice  Adams  "I've  seen  it  happen  in  other  people's  lives  and  now  it's  happening  in  mine"  Marr's  guitar  swooping  around  the  multi-tracked  vocal.

"Nowhere  Fast"  the  opening  track  on  side  two  always  strikes  a  personal  chord  with  me  for  the  line  "And  when  a  train  goes  by  it's  such  a  sad  sound"  because  I  lived  near  a  railway  for  my  first  thirty-three  years  and  the  heavy  goods  trains  going  by  did  indeed  become  a  comfort  sound.  Over   another  rockabilly  rhythm   Morrissey  seamlessly  blends  the  personal  and  political  with  his  wish  to  moon  the  queen  in  the  second  verse  while  he  bemoans  his  emotionless  stasis  elsewhere  in  the  song. Joyce's  rimshots  in  the  middle  eight  are  recorded  to  sound  like  gunshots  (pre-dating  Stone  Roses' s  Elizabeth  My  Dear )  but  it's  the  choking  melancholy  in  Morrissey's  voice  and  sympathetic  sadness  in  the  guitar  after  each  line   that  make  the  track  a  classic.

"Well  I  Wonder "  lets  Andy  Rourke's  bass  take  a  more  prominent  role  with  Marr  sticking  mainly  to  acoustic  while  Morrissey  delivers , latterly  in  falsetto, a  sparse  lyric  about  wanting  to  figure  in  someone's  consciousness  when  he  dies,  their  first  explicit  death  song.  He  fades  out  early  in  the  coda  which  eventually  dissolves  into  affecting  Mancunian  rain  falling . It's  good  but  does  seem  out  of  sequence, an  obvious  closing  track  placed  too  early.

Then  we  have  "Barbarism  Begins  At  Home"  a  popular  live  track  extended  in  the  studio  and  for  me  the  only  misfire  on  the  LP. It's  also  controversial  for  the  lack  of  a  writing  credit  for  Rourke  whose  funk  bassline  is  the  rock  of  the  song. Certainly  Morrissey's  contribution  is  relatively  spartan,  effectively  just  one  verse  bemoaning  arbitrary  parental  violence,  repeated  then  its  lines  ad  libbed   and  yodelled  up  to the  5  minute  mark before  Rourke  and  Marr   are  allowed  to  play  at  being  Chic  for  a  couple  of  minutes.  It's  not  bad  at  all  but  it  would  have  been  better  suited  to  being  on  a  12  inch  single ; here  it  seems  like  an  odd,  flabby   indulgence  on  an  otherwise  very  lean  and  tight  LP.

Thankfully  the  album  ends  on  a  real  high  with  the  title  track. You  don't  need  to  support  the  cause  to  appreciate  Morrissey's  passion   about  his  vegetarianism  and  the  fabulous  musical  setting  provided  by  Marr. Beginning  in  a  Floydian  fashion  with  cattle  lowing  and  chainsaw  noises  (Lulubelle  being  hacked  to  pieces ?)  Marr  interweaves  simple  piano  lines  with  a  bottomlessly  mournful  guitar  riff  while  Morrissey  in  a  brittle  tone  (slightly  treated)  decries  the  treatment  of  animals  and  specifically  the  Bisto  ad  presentation  of  meat  eating  -"It's  not  comforting  cheery  or  kind". The  chainsaws  return  at  the  end  of  the  song  to  drive  the  point  home. It's  The  Smiths  at  their  least  subtle  but  it  still  packs  a  powerful  punch.

With  only  one  belated  single  the  album  didn't  hang  around  for  long  and  has  been  overshadowed  by  its  successor  but  it's  still  a  fabulous  work  of  art.